“You don’t waste your life / By going inside.” (Você não joga sua vida fora / Se voltando para dentro)
A profissão de fé já tem vinte anos, pepita esfolada “To Record Only Water For Ten Days “, registro de cabeceira de uma geração de barbas indie que não quer cortar entre fio de nylon e sintetizador. Foi também o momento em que John Frusciante - que de dia, com cabelos semelhantes à Cristo, toca como guitarrista oficial e melodista regular de uma das bandas de rock mais populares do mundo, o Red Hot Chili Peppers. - Descobriu uma fibra noturna de chirp cerebral. A muda eletrônica terá levado seu tempo, sob vários pseudônimos vagamente obscenos (Trickfinger, Speed Dealer Moms), até este décimo segundo álbum com seu próprio nome, onde não ouvimos nem sua voz nem suas seis cordas. Howard Hughes, tragicómico do funk rock, o recluso californiano, dedica esta batida condensada ao único testemunho de sua transformação, ou seja, Maya, sua gata falecida, "única companheira de viagem destas sessões solitárias".
Nove músicas, assim como um gato com várias vidas.
Aos 50 anos, Frusciante é uma fênix muitas vezes queimada. Criança prodígio da Sunset Strip, ele mal tinha idade quando passou do status de um simples fã para o guitarrista dos musculosos Red Hot Chli Peppers. Em quatro anos, ele revolucionou seu som, das baladas pós-Hendrixian ("Under The Bridge") aos riffs elásticos ("Give It Away"), abrindo bem as paradas para o quarteto. Grunge de coração, ele detestava tocar em estádios, sabotou suas aparições na TV e mergulhou na heroína. Durante os cinco anos seguintes, ele se envenenou conscientemente para estourar as veias e deixar cair todos os obstáculos. Para financiar seus vícios, ele lançou "Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt "
Maya tem um lado muito nostálgico, instantâneo de uma época (meados dos anos 90) em um lugar (Inglaterra), a priori muito longe de sua vida como uma estrela de rock californiana reclusa naquela época...
"No início dos anos 2000, comecei a frequentar alguns clubes que tocavam drum and bass. Mas sempre houve uma cena underground em Los Angeles, eu não tinha ideia até 2008, quando realmente comecei a ir a raves ilegais. Ao mesmo tempo, Aaron Funk me fez ouvir uma tonelada de discos rígidos digitalizados de jungle britânico e do início dos anos 90. E abriu meus olhos: eu não tinha ideia da quantidade de ótimas coisas que havia neste gênero. Rápido, brutal, cru. Sons únicos porque os produtores então não tinham nenhuma ideia preconcebida de como deveria soar. Posteriormente, quanto melhor eles ficavam no estúdio menos interessante eram pra mim. Os anos entre 91-96 são o equilíbrio perfeito: esta combinação de produções rudes e pura agressão me trouxe de volta ao punk que eu amava quando era criança."
Recriando este som tão bem localizado, você teve a impressão de fazer um exercício de estilo, o equivalente eletrônico de um álbum de covers de blues de um roqueiro?
Mas a música eletrônica pode ser tão retrógrada quanto uma prática experimental... Onde você está localizado?
"Todas as músicas ambiciosas buscam ampliar os limites do som. O som é a verdadeira da música, sua verdade - as notas, os ritmos, eles são símbolos. Se você quer dizer algo novo musicalmente, você tem que passar pelo som. É isso que adoro na música eletrônica: a expressão artística é o que sai dos alto-falantes, sem nenhum intermediário, exceto os ghosts por trás das machines. Quanto às chamadas ideias novas ou antigas, elas são puramente subjetivas. Tudo depende de como a música nos faz sentir. Se este sentimento é forte, estamos no presente, e este presente nunca desaparece. The Human League sempre soa futurista porque sua música carrega esse sentimento com ela."
Como guitarrista, você é associado à música de palco. Mas seus projetos pessoais, folks ou eletrônicos, referem-se a experiências solitárias de fabricação e audição, um lado " música caseira ". Além disso, você não liga...
O álbum foi composto durante um período de confinamento, numa Califórnia entre pandemia, incêndios e tensões políticas?
"Não. A única coisa que lancei dessa época foi uma contribuição à compilação Music in Support of Black Mental Health [cujos lucros foram doados a associações de apoio anti-racista]. O Covid não afetou meu trabalho - o que quer que aconteça na maior parte do meu tempo trancado em casa compondo ou tocando. Até onde posso me lembrar, a música tem sido minha fuga da realidade. Minha ignorância, ou minha desconexão do chamado "mundo real", é o fundamento de minha perspectiva artística."
O que une seu trabalho individual heterogêneo é, sem dúvida, esta intimidade não filtrada. Em Maya, ouvimos o mesmo músico que em Niandra LaDes?
"Quando eu tinha 18-19 anos (idade em que ele entrou para a RHCP), eu esperava me tornar um artista. Mas eu era muito ruim nisso! Então tive que aprender a me apresentar sem nenhum tipo de filtro ou caráter. Meus meios de expressão mudaram constantemente, mas a pessoa que sou - aquela que vive através da música - permaneceu constante."
Ao se voltar para as machines, você acha que destruiu para sempre a imagem do "guitar hero" que pesou sobre você por muito tempo?
"Acho que muitas pessoas tiraram fotos de mim no palco! Guitarra é o que eu sempre usei para entender música, para chegar a uma forma de verdade que eu não posso tocar de outra forma. Quanto ao resto, todas as tentativas que eu poderia ter tido de cultivar uma postura, incluindo a de "guitar hero”, fracassaram miseravelmente. Voltando à guitarra, existem armadilhas mentais em que os instrumentos convencionais podem te levar, as quais me dei conta quando adolescente: imaginar que um riff é bom porque é difícil de tocar, ou que "um vibrato necessariamente traz sentimento... Por isso sempre tentei aprender melodias geradas por máquinas na minha guitarra, confiando no estilo dos guitarrista "anti-heróis". Dito isto, a guitarra tem seus limites. E quando se trata de criar sons, [dois sintetizadores]."
Sua conexão atual com as machines está relacionada a um desencanto com a composição em grupo?
"Estar sozinho com as machines permite uma forma de criação sônica "ao vivo", estamos no imediatismo. Em um grupo, há muitas variáveis a serem consideradas antes de se chegar ao que se deseja. Mas se você tem química com um pequeno grupo de pessoas, e se apoiam uns aos outros, isso pode compensar o fato de que o processo é menos simples. A maior parte da minha vida de compositor foi escrevendo canções com letras. Nos últimos dez anos, as machines haviam substituído isso. Mas eu nunca deixei de tocar guitarra, mesmo quando não a usava mais em minhas canções. Desde que entrei para a banda [em dezembro de 2019], voltei a compor canções, da mesma forma que sempre fizemos, enquanto continuava minha pesquisa eletrônica. Tenho muita sorte de ter sido capaz de fazer música de tantas maneiras diferentes, com tantas pessoas diferentes. Com o passar do tempo, percebi que deixar seu ego ir embora ajuda imensamente o processo criativo. Se você só se preocupa com o reconhecimento ou com o que os outros possam pensar, você se torna seu pior inimigo. Desde que todos os envolvidos façam o mesmo e se rendam à música, os dois modos - solo ou em grupo - são iguais."
Nove músicas, assim como um gato com várias vidas.
Aos 50 anos, Frusciante é uma fênix muitas vezes queimada. Criança prodígio da Sunset Strip, ele mal tinha idade quando passou do status de um simples fã para o guitarrista dos musculosos Red Hot Chli Peppers. Em quatro anos, ele revolucionou seu som, das baladas pós-Hendrixian ("Under The Bridge") aos riffs elásticos ("Give It Away"), abrindo bem as paradas para o quarteto. Grunge de coração, ele detestava tocar em estádios, sabotou suas aparições na TV e mergulhou na heroína. Durante os cinco anos seguintes, ele se envenenou conscientemente para estourar as veias e deixar cair todos os obstáculos. Para financiar seus vícios, ele lançou "Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt "
em 1994, soando como um OVNI com melodias dissonantes e sublimes, gravado além do túmulo em quatro faixas.
Em 1997, ele foi ressuscitado após a desintoxicação, pronto para colocar o Red Hot Chili Peppers de volta em órbita, depois preso em um groove lento metálico. Lançaram Californication e os jingles planetários e as repetições pop mais esquecíveis (By the Way, Stadium Arcadium). Em paralelo, o "guitar hero", apesar de seus sussurros e ruges solitários, oscilando entre o bizarro e o folclore despojado (The Will to Death) e as catedrais-progressiva e superprodutiva (The Empyrean). Frusciante mais uma vez abandona seus camaradas no final dos anos 2000, antes de um mergulho lento, mas seguro em um banho eletrônico.
Fora dos palcos por mais de uma década, não podíamos imaginá-lo reunido com a banda de Anthony Kiedis. E ainda assim, há um ano, os Red Hot Chili Peppers anunciaram com grande alarde seu retorno. As mentes de luto notarão que foi um divórcio caro. Desde então, Covid colocou a tampa neste retorno, deixando Frusciante retornar às suas experiências cavernosas. De seu covil angeleno, o músico concordou em conversar por e-mail sobre suas maquinas, "guitarristas anti-heróis", a punkitude do jungles ingleses e as virtudes da solidão. Apesar do prometido, o "acordo de não divulgação" obriga, a não falar muito dos Red Hot Chili Peppers... shhh...
Em 1997, ele foi ressuscitado após a desintoxicação, pronto para colocar o Red Hot Chili Peppers de volta em órbita, depois preso em um groove lento metálico. Lançaram Californication e os jingles planetários e as repetições pop mais esquecíveis (By the Way, Stadium Arcadium). Em paralelo, o "guitar hero", apesar de seus sussurros e ruges solitários, oscilando entre o bizarro e o folclore despojado (The Will to Death) e as catedrais-progressiva e superprodutiva (The Empyrean). Frusciante mais uma vez abandona seus camaradas no final dos anos 2000, antes de um mergulho lento, mas seguro em um banho eletrônico.
Fora dos palcos por mais de uma década, não podíamos imaginá-lo reunido com a banda de Anthony Kiedis. E ainda assim, há um ano, os Red Hot Chili Peppers anunciaram com grande alarde seu retorno. As mentes de luto notarão que foi um divórcio caro. Desde então, Covid colocou a tampa neste retorno, deixando Frusciante retornar às suas experiências cavernosas. De seu covil angeleno, o músico concordou em conversar por e-mail sobre suas maquinas, "guitarristas anti-heróis", a punkitude do jungles ingleses e as virtudes da solidão. Apesar do prometido, o "acordo de não divulgação" obriga, a não falar muito dos Red Hot Chili Peppers... shhh...
Maya tem um lado muito nostálgico, instantâneo de uma época (meados dos anos 90) em um lugar (Inglaterra), a priori muito longe de sua vida como uma estrela de rock californiana reclusa naquela época...
"No início dos anos 2000, comecei a frequentar alguns clubes que tocavam drum and bass. Mas sempre houve uma cena underground em Los Angeles, eu não tinha ideia até 2008, quando realmente comecei a ir a raves ilegais. Ao mesmo tempo, Aaron Funk me fez ouvir uma tonelada de discos rígidos digitalizados de jungle britânico e do início dos anos 90. E abriu meus olhos: eu não tinha ideia da quantidade de ótimas coisas que havia neste gênero. Rápido, brutal, cru. Sons únicos porque os produtores então não tinham nenhuma ideia preconcebida de como deveria soar. Posteriormente, quanto melhor eles ficavam no estúdio menos interessante eram pra mim. Os anos entre 91-96 são o equilíbrio perfeito: esta combinação de produções rudes e pura agressão me trouxe de volta ao punk que eu amava quando era criança."
Recriando este som tão bem localizado, você teve a impressão de fazer um exercício de estilo, o equivalente eletrônico de um álbum de covers de blues de um roqueiro?
"Há pessoas que são realmente boas em recriar o som de hardcore e vintage jungle até a perfeição, e eu não sou uma delas. Jungle é meu gênero favorito hoje, mas tento descontextualiza-lo de uma forma criativa. Minhas batidas vão mais fundo no abstrato, as coisas que faço com os teclados também estão fora desses alicerces. Alguns veem Maya mais perto do IDM (intelligent dance music), e embora a intenção não fosse "modernizar" o jungle, eu não discordo disso. Quando crio, a única coisa em que tento pensar é deixar algumas características em minhas faixas para os DJs mixarem em seus sets. Quanto ao resto, quer estejamos falando de eletro, acid, jungle, etc., eu não vejo formas rígidas. Apenas um ponto de partida."
Mas a música eletrônica pode ser tão retrógrada quanto uma prática experimental... Onde você está localizado?
"Todas as músicas ambiciosas buscam ampliar os limites do som. O som é a verdadeira da música, sua verdade - as notas, os ritmos, eles são símbolos. Se você quer dizer algo novo musicalmente, você tem que passar pelo som. É isso que adoro na música eletrônica: a expressão artística é o que sai dos alto-falantes, sem nenhum intermediário, exceto os ghosts por trás das machines. Quanto às chamadas ideias novas ou antigas, elas são puramente subjetivas. Tudo depende de como a música nos faz sentir. Se este sentimento é forte, estamos no presente, e este presente nunca desaparece. The Human League sempre soa futurista porque sua música carrega esse sentimento com ela."
Como guitarrista, você é associado à música de palco. Mas seus projetos pessoais, folks ou eletrônicos, referem-se a experiências solitárias de fabricação e audição, um lado " música caseira ". Além disso, você não liga...
"É claro que a conexão direta de pessoa a pessoa que a Internet oferece me convém perfeitamente [muito prolífico, Frusciante deixou dezenas de material inédito livremente disponível em seu site e depois em seu canal no YouTube ao longo dos anos]. Mas minha esposa organiza raves, ela trouxe muitos grandes artistas de volta à cidade nos últimos anos. Assim, aprendi muito com seus amigos que são DJs, ouvindo sets com eles, falando sobre equipamentos, e isso mudou minha maneira de abordar minha arte. Alguns DJs até tocaram Maya enquanto eu ainda estava trabalhando nele. Portanto, ainda é uma música social, que funciona em todos os contextos - em casa ou na rave. Mesmo assim, é verdade, eu tendo a me isolar."
O álbum foi composto durante um período de confinamento, numa Califórnia entre pandemia, incêndios e tensões políticas?
"Não. A única coisa que lancei dessa época foi uma contribuição à compilação Music in Support of Black Mental Health [cujos lucros foram doados a associações de apoio anti-racista]. O Covid não afetou meu trabalho - o que quer que aconteça na maior parte do meu tempo trancado em casa compondo ou tocando. Até onde posso me lembrar, a música tem sido minha fuga da realidade. Minha ignorância, ou minha desconexão do chamado "mundo real", é o fundamento de minha perspectiva artística."
O que une seu trabalho individual heterogêneo é, sem dúvida, esta intimidade não filtrada. Em Maya, ouvimos o mesmo músico que em Niandra LaDes?
"Quando eu tinha 18-19 anos (idade em que ele entrou para a RHCP), eu esperava me tornar um artista. Mas eu era muito ruim nisso! Então tive que aprender a me apresentar sem nenhum tipo de filtro ou caráter. Meus meios de expressão mudaram constantemente, mas a pessoa que sou - aquela que vive através da música - permaneceu constante."
Ao se voltar para as machines, você acha que destruiu para sempre a imagem do "guitar hero" que pesou sobre você por muito tempo?
"Acho que muitas pessoas tiraram fotos de mim no palco! Guitarra é o que eu sempre usei para entender música, para chegar a uma forma de verdade que eu não posso tocar de outra forma. Quanto ao resto, todas as tentativas que eu poderia ter tido de cultivar uma postura, incluindo a de "guitar hero”, fracassaram miseravelmente. Voltando à guitarra, existem armadilhas mentais em que os instrumentos convencionais podem te levar, as quais me dei conta quando adolescente: imaginar que um riff é bom porque é difícil de tocar, ou que "um vibrato necessariamente traz sentimento... Por isso sempre tentei aprender melodias geradas por máquinas na minha guitarra, confiando no estilo dos guitarrista "anti-heróis". Dito isto, a guitarra tem seus limites. E quando se trata de criar sons, [dois sintetizadores]."
Sua conexão atual com as machines está relacionada a um desencanto com a composição em grupo?
"Estar sozinho com as machines permite uma forma de criação sônica "ao vivo", estamos no imediatismo. Em um grupo, há muitas variáveis a serem consideradas antes de se chegar ao que se deseja. Mas se você tem química com um pequeno grupo de pessoas, e se apoiam uns aos outros, isso pode compensar o fato de que o processo é menos simples. A maior parte da minha vida de compositor foi escrevendo canções com letras. Nos últimos dez anos, as machines haviam substituído isso. Mas eu nunca deixei de tocar guitarra, mesmo quando não a usava mais em minhas canções. Desde que entrei para a banda [em dezembro de 2019], voltei a compor canções, da mesma forma que sempre fizemos, enquanto continuava minha pesquisa eletrônica. Tenho muita sorte de ter sido capaz de fazer música de tantas maneiras diferentes, com tantas pessoas diferentes. Com o passar do tempo, percebi que deixar seu ego ir embora ajuda imensamente o processo criativo. Se você só se preocupa com o reconhecimento ou com o que os outros possam pensar, você se torna seu pior inimigo. Desde que todos os envolvidos façam o mesmo e se rendam à música, os dois modos - solo ou em grupo - são iguais."
Tradução: Jonathan Paes - adaptada, pois do francês para o inglês foi traduzida pelo Google Translate.
Fonte: Libération - 08 de novembro de 2020
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