John Frusciante fratura dedo e necessita de pelo menos seis semanas de recuperação

John Frusciante fraturou um dos dedos da mão e necessitará de pelo menos seis semanas de recuperação. O quadro foi confirmado ontem por Anthony Kiedis durante o Almost Acoustic Christmas, da KROQ, festival que a banda se apresentaria e havia cancelado há cinco dias com o recado "um membro da banda se machucou e necessita de pelo menos seis semanas de recuperação". Esse período deve-se a imobilização da fratura (em torno de 4 a 6 semanas) e ao provável tratamento fisioterapêutico e a recuperação da capacidade do quirodáctilo, justificando o "pelo menos seis semanas".

O próximo compromisso da banda é no The Venue at Thunder Valley Casino Resort, no dia 17 de fevereiro de 2024. Esperamos que até lá Frusciante tenha recuperado e sua capacidade não tenha sido afetada. Já o show no Almost Acoustic Christmas, da KROQ, foi remarcado para o dia 02 de março de 2024.

Veja o vídeo de Anthony Kiedis para a KROQ, clicando aqui.

Foto: Daniel Croce

John Frusciante irá lançar trabalho dividido em dois álbuns em 03 de fevereiro

John Frusciante irá lançar trabalho dividido em dois álbuns chamados . I : e : I I. no dia 03 de fevereiro de 2023. A obra foi dividida em dois álbuns devido ao vinil não conseguir reproduzir alguns sons gravados, tendo o . I : para vinil sete canções e o . I I : para CD dez canções - ambas com versões digitais. No total são 11 músicas eletrônicas inéditas ("Clank", "Sluice", "Firpln", "Unititled", "Pyn", "MK 2.1" nos dois álbuns; "OFD" apenas na versão de vinil; e "Golpin", Blesdob Dot", "Frantay" e "Galvation" apenas na versão do CD) compostas e gravadas por Frusciante no intervalo entre a gravação e a mixagem de Unlimited Love como meio para "clarear a mente após um ano e meio fazendo rock com uma banda".

Lista de faixas:

. I :

1. Clank
2. Sluice
3. Firpln
4. Unititled

5. OFD

6. Pyn

7. MK 2.1

Pré-venda na versão digital e em vinil, clique aqui.

. I I :

1. Golpin

2. MK 2.1

3. Pyn

4. Blesdob Dot

5. Unitiled

6. Clank

7. Frantay

8. Galvation

9. Sluice

10. Firpln

Pré-venda na versão digital e em CD, clique aqui.

Texto de John Frusciante sobre os álbuns:

John Frusciante - . I : & : I I .

"Depois de um ano e meio escrevendo e gravando rock, eu precisava clarear a mente. Eu ouvia e fazia música em que as coisas geralmente acontecem gradualmente, e não repentinamente. Eu configuraria patches em um Monomachine ou Analog Four e os ouviria, ouvindo um som se transformar em outros, fazendo alterações em um patch somente depois de ter ouvido por um bom tempo, adicionando elementos gradualmente e, finalmente, manipulando os sons na hora. Todas as faixas foram gravadas ao vivo em gravador de CD, sem overdubs, e executadas em uma ou duas máquinas.

Enquanto ouvia quase exclusivamente artistas como Chris Watson, Peter Rehberg, Bernard Parmegiani, CM Von Hausswolff, Jana Winderen, Oren Ambarchi, Hazard, Bruce Gilbert, Klara Lewis, Ryoji Ikeda e assim por diante, também fui inspirado por minha imagem mental das experiências de fita e mellotron de John Lennon que ele fez em casa durante seu tempo nos Beatles, bem como eventos como o primeiro minuto de Station To Station de Bowie, ...And The Gods Made Love de Jimi Hendrix, os sintetizadores no produção em massa da música de Iggy Pop e a ideia geral do conceito inicial de música ambiente de Eno.

A música sendo uma escultura solitária no espaço sonoro foi o principal pensamento motivador. Eu estava olhando fotos de esculturas e tentando fazer música que transmitisse movimento e quietude simultaneamente. Abstive-me de mudanças musicais bruscas, evitando principalmente sequências de notas e ritmos. Na verdade, essa música foi feita a partir de sequências que nunca ultrapassam uma única nota, muitas dessas peças sendo feitas em um único padrão. O movimento que um bom escultor transmite quando a forma de seu meio encontra os olhos do espectador que caminha ao redor da peça, ou o sol muda de posição, são os tipos de movimento que cabia aos patches de sintetizador comunicar. Eu estava usando o som para criar o que eu via como uma estrutura física.

Ouço música assim desde os 13 anos, mas senti que fazê-la estava fora do meu alcance por causa da quantidade de contenção que imaginei que exigisse. Uma vez que me vi fazendo essa música, não parecia uma questão de restrição. Eu queria construir um certo tipo de edifício, ouvir certos tipos de movimento e saber quando estava completo. Não havia lugar para sequências de notas e ritmos em meus planos.

Eu também não posso exagerar o papel que está sendo desempenhado na minha banda. Eu já havia passado 12 anos programando e projetando minha própria música e depois passei um ano e meio fazendo música onde meu papel era basicamente escrever músicas e tocar guitarra. Concluída a fase de gravação da banda, precisei voltar para a minha linguagem adotada. Eu tinha feito o suficiente com acordes, ritmos, notas, seções definidas, transições nítidas, etc. O que eu precisava era criar música do zero com nada além de som, e fazer com que a música refletisse “ser” em vez de “fazer”. Foi uma forma terapêutica de me reequilibrar, antes e durante o processo de mixagem da minha banda.

Esta música procura apenas existir e não tenta manipular ou agarrar o ouvinte de forma alguma. Acredito que funciona bem se alguém ouvir alto e se concentrar nisso, mas também funciona bem em volumes baixos e em segundo plano. Ele pode competir com o silêncio nos próprios termos do silêncio e também pode alegremente acabar com o silêncio.

Existem duas versões deste álbum. A versão digital/CD chama-se : I I . (pronuncia-se “two”). Esta é a versão mais longa. A versão em vinil chama-se . I : (pronuncia-se “one”), e é mais curto, mas contém uma faixa somente em vinil. A razão pela qual o vinil é mais curto é que algumas das faixas têm sons que não podem ser pressionados no vinil."

Escrito e produzido por John Frusciante
Publicado por Songs Of Universal
Masterizado por Lopazz@Mixmastering.de
Sales@wordandsound.net
Arte de Lastminutepanic 

 

Fonte: Acid Test Records - . I : e : I I .

"Eddie": nova música é lançada em homenagem a Eddie Van Halen

O Red Hot Chili Peppers liberaram hoje "Eddie" que será a quarta faixa do álbum Return Of The Dream Canteen que sairá no dia 14 de outubro. A música é uma homenagem ao guitarrista Eddie Van Halen e foi composta pela banda um dia depois de sua morte.

Texto de Anthony Kiedis sobre a canção: 

"Às vezes, não percebemos o quão profundamente afetados e conectados estamos com os artistas até o dia em que eles morrem. Eddie Van Halen era único. No dia seguinte à sua morte, Flea entrou no ensaio com uma linha de baixo emocional John, Chad e eu começamos a tocar junto e logo com todos os nossos corações, uma música em sua homenagem se desenrolou sem esforço. Foi bom estar triste e se importar tanto com uma pessoa que deu tanto para nossas vidas. Embora a música não fale com Eddie pelo nome, ela fala sobre seus primeiros dias na Sunset Strip e a tapeçaria rock n roll que Van Halen pintou em nossas mentes. No final, nossa música pede que você não se lembre de Eddie por morrer, mas por viver seu sonho mais louco."

Tradução: RHCP WORLD 

"Eddie": nova música será lançada na sexta-feira (23/09)

 

"Eddie" será a próxima música de Return Of The Dream Canteen a ser lançada. A liberação da faixa acontecerá na próxima sexta-feira (23/09), de acordo com o RHCP Live Archive que traz informações confiáveis sobre os lançamentos da banda. É discutido que essa música é uma homenagem da banda ao guitarrista Eddie Van Halen que faleceu em outubro de 2020. O novo álbum sairá em 14 de outubro e contará com 17 canções, todas oriundas das sessões de Unlimited Love.


Fonte: RHCP Live Archive

De volta ao Chili Peppers e com um novo plano - Abril de 2022

John Frusciante de volta ao Chili Peppers e com um novo plano

"Eu quero ser a ponte entre Eddie Van Halen & Kurt Cobain!"

Tradução: Amanda Colombo - RHCP Brasil

Após sair do Red Hot Chili Peppers, John Frusciante se manteve em forma tocando solos de jazz e aprendendo progressões de acorde de rock progressivo.

Agora, de volta a banda, ele foi ainda mais a fundo no treino musical e artístico inspirado no blues elétrico e no rock dos anos 50. Além disso, ele está muito feliz em juntar o grupo novamente. “É um sentimento mágico”, diz ele.

No fim das contas foi uma razão simples que levou John Frusciante a voltar para o Red Hot Chili Peppers.

“Eu queria muito esse desafio de trabalhar numa banda democrática”, diz ele, “com pessoas que respeito e tenho uma química. Eu senti que para seguir em frente em espírito e como ser humano, eu precisava aceitar esse desafio. Eu senti que seria bom para mim tentar trabalhar de forma harmoniosa com eles, e não ser o meu ego a me levar adiante, mas ter amor e respeito por eles. Esse era o objetivo: tentar ser parte de um todo.”

Frusciante conversa com a Total Guitar direto de sua casa em Los Angeles, a cidade onde o Red Hot Chili Peppers se formou em 1983. Com o seu cabelo longo solto debaixo de uma touca de lã, barba por fazer, usando óculos tortoise pretos e seu físico magro vestindo uma camiseta larga amarela, o guitarrista tem a mesma aparência de 16 anos atrás, quando  o álbum duplo Stadium Arcadium conquistou a posição número um nos Estados Unidos. Porém, John deixou a banda logo em seguida – essa foi a segunda vez, ele também deixou a banda em 1992, ambas as saídas causadas pelo seu incômodo com as pressões da fama.

Após sua saída em 2009, os Chili Peppers seguiram em frente no lançamento de dois álbuns com outro guitarrista talentoso, Josh Klinghoffer. Enquanto isso, Frusciante foi em busca do seu amor pela música eletrônica e módulos sintetizadores, em um empenho de compor músicas diferentes das quais ele ficou famoso com a banda, e com aspirações totalmente pessoais e não-comerciais.

Então foi uma surpresa quando os Chili Peppers publicaram uma nota na rede social no fim de 2019 anunciando a volta de Frusciante, e com isso, o potencial para um novo álbum – o primeiro com John desde Stadium Arcadium. Os frutos do trabalho deles, Unlimited Love, diante do reencontro com o grande produtor Rick Rubin , apresentando 17 faixas que engloba a gama de influências, de um funk animado ao rock progressivo e punk hardcore. Em suma, a química entre John, o baixista Flea, o baterista Chad Smith e o vocalista Anthony Kiedis ressurgiu intacto, uma formação musical inabalada durante os mais de dez anos de pausa e ainda um surto pandêmico.

Claramente há muito a ser dito e o John está com vontade de conversar, tanto que o papo com a Total Guitar se prolongou além dos 45 minutos alinhados para mais de duas horas. Ele adora falar sobre os assuntos mais profundos – a arte de fazer música, o equipamento que utiliza, a ansiedade de retornar aos palcos. Ele também abre o jogo sobre o motivo de sair da banda mais dez anos atrás, e o que eventualmente o trouxe volta para o seus irmãos de música.

“Eu refleti muito sobre os motivos pelos quais saí da banda da última vez e dos quais eu não tinha cabeça para pensar sobre naquela época” ele disse, “Eu não quero viver nesse mundo de fama e publicidade; eu só quero focar em produzir música eletrônica e fazer música apenas por fazer, sem fazer música para agradar as pessoas ou ficar famoso. E isso era exatamente o que eu precisava naquele momento”

“Mas eu olhei para trás e percebi que em alguns problemas entre eu e os outros membros da banda, eu consegui enxergar o meu lado da coisa mais do que eu conseguia em 2009. E apesar de acreditar que ninguém é culpado quando alguém sai da banda, eu amadureci o suficiente como pessoa para ver o meu lado, ao invés de me fazer de vítima.”

Um novo começo

É difícil estimar o impacto que John Frusciante teve em gerações de guitarristas. Com as suas linhas esparsas e emotivas no álbum de referência dos Chili Peppers de 1991, Blood Sugar Sex Magik, ele apresentou ao jovens guitarristas dos anos 90 uma tênue e empolgante mistura de funk e post-punk. E na sua segunda fase com a banda, um período de 3 álbuns diversificados, expansivos e bem vendidos – Californication, By The Way e Stadium Arcadium – ele manteve texturas audaciosas e solos de guitarra no topo das paradas de rock, numa época em que o pop-punk e o nu-metal dominavam as rádios.

Para essa terceira fase, a banda reunida deu seus primeiros passos na sala de ensaios. Ao invés de começar a compor logo de cara, eles tocaram músicas dos primeiros álbuns dos Chili Peppers – lançados quando John era apenas um fã da banda – na tentativa de se reconectar com a raiz do grupo. Enquanto isso, integrantes da banda sugeriram covers de faixas clássicas – Some Other Guy de Richie Barret, Trash de New York Dolls, Hot Little Mama de Johnny Watson e Waterloo Sunset de The Kinks, todas foram tocadas – o que gerou uma dose nova de energia nos ensaios.

“Eu não queria me sentir pressionado a compor porque isso me deixaria sobrecarregado” se lembra John. “Então durante um mês ou dois, nós estávamos apenas tocando música de outras pessoas e as mais antigas dos Chili Peppers. Foi muito divertido. E felizmente essa animação se manteve conosco durante todo o processo de composição, mesmo após essa fase ser substituída pelos ensaios diários e a empolgação das novas coisas que estávamos criando, ou as jams que estavam virando músicas.”

E acredite, eles criaram muitas músicas. Quando a banda chegou ao estúdio de Rubin, Shangri-la, em 2021, eles tinham 45 faixas prontas mais 3 adicionais escritas durante as sessões. Todas elas foram gravadas, deixando material mais do que suficiente para um novo álbum. “Eu definitivamente sinto que nós guardamos algumas das melhores para um potencial próximo álbum”, brinca John. Mas ele acrescenta que nunca teve intenção de escrever tantas músicas.

“Eu estava pronto para parar quando tínhamos 20 – era o suficiente para mim” ele ri. “Mas uma coisa levou a outra alguém me incentivou a continuar compondo. Então quando nos demos conta, nós tínhamos mais músicas do que algum dia criamos para um único álbum.”

Para a sua parte, John teve que reajustar sua forma de tocar para compor rock novamente. Durante sua selvageria com a música eletrônica, toda vez que tinha uma guitarra no colo estava mais apreciando música do que compondo. Ele aprendeu todos os solos do ícone do jazz, Charlie Christian e se inspirou nas progressões de acorde de álbuns memoráveis dos anos 70 através da lenda do rock progressivo, Genesis. Isso o ajudou a se reconectar com seu amor pelo instrumento.

“Eu desenvolvi um verdadeira relação de fã com os diferentes gêneros do rock, sem que tenha a ver com a minha identidade” explica ele. “Então quando eu voltei a tocar na banda, eu sabia que afetaria minha composição”

Portanto, o guitarrista teve uma visão de onde queria levar suas composições e isso remontou a ele voltar para as raízes do gênero.

Conforme ele explica; “Eu queria focar onde eu enxergava ser o início do rock na história – o rock ‘n’ roll do fim dos anos 50 e o blues elétrico que se originou durante os anos 40 e 50. Eu queria imaginar que fosse um cara surgindo na mesma época dos Beatles, ou Cream ou Jimi Hendrix e poder visualizar; “O que eu teria feito para aprimorar aquela fundação? Eu sinto que como já estou voltando a compor rock, vamos até a raíz dele”

“Eu passei tanto tempo com outros álbuns, focando especialmente no Jimmy Page, Jimi Hendrix e Cream. Ao invés de fazer tudo isso de novo, eu pensei “Vamos focar no Elvis, Clarence Gatemouth Brown, Freddie e Albert King, Buddy Holly, Gene Vincent e Ricky Nelson – e então, ok, como eu vou tentar criar algo além disso?”

Aqueles planos mudariam de forma assim que John começassem a trabalhar com a banda. Para se aquecer antes da gravação todo dia, ele tocava os álbuns clássicos de Jeff Beck, Truth, Blow by Blow e Wired. Mas ele também estava se reemergindo na visão de textura de John McGeoch da Siouxsie and the Banshees, assim como os riffs abrasivos de Greg Ginn do Black Flag. Sua perspectiva se tornou uma consolidação de todas as influências, com uma pequena parcela de ícones da guitarra dos anos 80 para compor o cenário.

“Eu adoro guitarristas como Randy Rhoads e Eddie Van Halen pelo jeito como conseguem fazer o instrumento explodir na mão através de técnicas com a alavanca” ele diz, “Mas eu também gosto muito do jeito que pessoas como Greg Ginn e Kurt Cobain tocam sem ser algo técnico – ainda que hajam muitas técnicas não convencionais ali – mas o foco é definitivamente em algo mais visceral. No fim das contas, enquanto estávamos gravando, meu objetivo era encontrar uma ponte entre esses dois conceitos do instrumento: a ideia de fazer ele explodir com eletricidade da energia humana que vem das cordas. E também utilizando todo o instrumento em termos de tipos de técnicas que, enquanto Eddie Van Halen e Randy Rhoads desenvolveram muito nelas, eu vejo como algo enraizado no que Jeff Beck fez em Blow by Blow e Wired.”

Alongando

Por fim, Unlimited Love se tornou uma destilação dos ícones da guitarra que Frusciante empregou no bombástico Stadium Arcadium, em conjunto com o som ambiente encontrado nos momentos mais experimentais de By The Way, tudo isso enquanto incorporava uma influência punk mais aberta. A ampla gama de sua abordagem se extende do rock alternativo de Black Summer até o acalorado funk de Poster Child e o hardcore feroz de These Are The Ways, que oferece os riffs mais pesados do álbum – apesar do conceito dessa faixa ser muito diferente do monstro do rock em que ela se tornou no álbum.

“Antes de eu compor These Are The Ways, eu estava tocando o álbum Propaganda de Sparks” ele recorda, “Eu estava impressionado em como as progressões de acorde pareciam simples e imaginativas. Mas assim que eu trouxe isso para a banda, nós transformamos em um trabalho pesado onde a bateria vai de Keith Moon ao Black Sabbath e Metallica. O final parece speed metal para mim. Com a força da banda, ela realmente se tornou algo a mais.”

Uma outra abordagem diferente de estilo apareceu em White Braids & Pillow Chair, um acorde de meio tempo que termina em um completo rockabilly excitante. Foi uma das primeiras músicas que John trouxe e uma de suas favoritas pelo jeito que “mistura algumas coisas importantes para mim”, incorporando uma progressão vocal inspirada no tecladista do Genesis, Tony Banks com o final de um estilo do início dos anos 60.

A abordagem mais estrutural de John, em contrapartida, surge gradualmente no groove de Not The One e It’s Only Natural, que combinam o padrão gótico de seis cordas dos anos 80  com técnicas inspiradas por ícones da guitarra. A inspiração prévia no controle de volume impecável de Adrian Belew e Eddie Van Halen veio de encontro com expansivos delays digitais. Esse último apresentando um leve delay reverso – característico dos anos 80 – em seu solo psicodélico, mas a atmosfera simples dos versos fez John se voltar novamente a Jeff Beck como inspiração.

“Parece que tem um eco em It’s Only Natural” diz ele, “Mas eu estou fazendo isso com as minhas mãos. Não é um eco. Sou com minha mão direita sendo apenas intenso, intenso, intenso, suave, suave, suave, suave. Eu estive fazendo muito isso porque em Blow By Blow de Jeff Becks tem uma música chamada Constipated Duck, e eu acho que ele provavelmente tinha um eco na guitarra, mas para tocar com isso você precisa fazer: tocar alto, suave, suave, suave, suave, para ficar em sintonia com a gravação. O Flea teve a ideia de It’s Only Natural no piano. E quando ele foi para o baixo, eu imaginei ser legal se eu tentasse fazer isso como faço em Constipated Duck, mas tornando isso parte da música.”

Velhos Amigos

Enquanto John buscava novas bases em Unlimited Love com sua composição e filosofia técnica, seu estilo instrumental característico viu ele se reunir com ferramentais familiares que ele usou para gravar seu nome no coração de milhares de jovens guitarristas.

“A principal guitarra que toquei foi a minha Stratocaster de 1962, que é a mesma que tive quando voltei para a banda em 1998” diz ele sobre sua guitarra mais usada, e que ainda possui as marcas na madeira, mas agora com um sistema de cancelamento de ruído ILITCH. “Em 1998 eu não tinha dinheiro para uma Stratocaster, eu disse a eles que tudo o que tinha era uma Fender Jaguar e achava que devia ter uma Strat para a banda soar como deveria. Anthony e eu fomos ao Guitar Center e ele me emprestou dinheiro para comprar uma Strat e essa foi a que me chamou a atenção assim que vi na parede. E desde então eu tive muitas outras Strats – todas geralmente da mesma época  – e essa que encontrei naquele dia nunca mais achei outra melhor.”

Outras antigas famosas também fizeram uma aparição: sua Strat de madeira maple de 1955 – das quais seus captadores Seymour Duncans foram recentemente substituidos por outro mais forte e mais adequado, cortesia do criador senior de guitarras Fender, Paul Waller – assim como sua Strat Fiesta vermelha de 1961 e mais uma ou duas Jaguar. Os acústicos – como os da eletro-folk Bastards of Light e a delicada Tangelo – eram todos Martin: dois modelos de mogno 0-15, uma Dreadnought D-28 e uma uma de 12 cordas. Mas houve novas adições ao Chili Peppers também, através de uma Yamaha SG do fim dos anos 70/começo dos anos 80. Esses potentes captadores se tornaram o principal parceiro de John em seu tempo longe da banda, mas se provaram ser as guitarras perfeitas para sobreposições durante os momentos mais pesados do álbum.

Ele explica: “Quando há uma seção pesada com acordes distorcidos e esse tipo de coisa, na maior parte do tempo a Strat era o que eu tocava na faixa demo, mas em conjunto com a Yamaha SG diretamente para a Marshall sem distorção de pedal nem nada disso, só fazendo a distorção no amplificador. Na maior parte do tempo é a Yamaha no alto falante da esquerda, por exemplo, e a Strat Fender através do pedal de distorção na direita. E ainda há toques suaves onde está a SG.”

E se tratando de amplificador, o Marshall Silver Jubilee e backing do guitarrista dos Chili Peppers em seus maiores shows foram tirados do baú e da aposentadoria para a expansão da sonoridade, enquanto que uma Roland Jazz Chorus foi usada em algumas sobreposições. Mas a leitura que John fez no isolamento também o inspirou a buscar uma clássica (Strat de 1962) – que tinha uma conexão inesperada com a banda.

“Eu também tive uma Ampeg B-15” ele revela. “Eu amava o som e a engenharia de Greg Sage do Wipers. Ele tem um dos melhores sons de guitarra já gravados. Ele disse que para ele o B-15 era o melhor amplificador já feito. Então eu comprei um quando gravamos o álbum para ter uma diferença de sonoridade em certos momentos. Quando eu comprei, Flea deu uma olhada e disse ‘Esse é o mesmo amplificador que meu padrasto usava!’ O padrasto dele tocava baixo e contrabaixo e era o que ele usava no contrabaixo. Foi uma coincidência engraçada.”

Mas seria o Marshall que iria estruturar alguns dos pontos mais fortes do álbum, em particular esse feedback visceral e intenso dos solos de The Great Apes e The Heavy Wing.

“O feedback é uma das melhores partes de se fazer música para mim” ele frisa. “A abordagem é sobre o volume, ter os quatro gabinetes dos dois amplificadores ligados ao mesmo tempo e ir descobrindo as diferentes formas de compor, onde o feedback vai ser bom, e ficar andando de lá para cá enquanto toco os solos e recebo os diferentes feedbacks. E sendo extremamento barulhento – tanto que se eu não tivesse meus fones, eu não conseguiria ficar de pé ali. Os fones eram a única coisa impedindo que meus ouvidos estourassem.”

A intensidade significava que enquanto a maioria do ritmo das faixas foi gravada ao vivo no estúdio, John foi forçado a gravar a maioria dos seus solos como sobreposições para evitar que os amplificadores ressoassem muito forte na som da bateria. Mas essas gravações da banda foram de encontro ao som mais profundo e exemplar do guitarrista, fazendo apenas um ajuste significativo na Strat e nos amplificadores em comparação com outros álbuns dos Chili Peppers.

“Os captadores do braço estão em praticamente tudo” ele revela. “Durante um tempo, como em By The Way ou Californication, eu estive usando mais o captador da ponte. Então eu percebi quando estávamos gravando, meu agudo estava em 3 nos dois Marshalls – nos tempos antigos, meu agudo estava sempre em 0.”

Como resultado, o guitarrista ainda está aprendendo com sua pedaleira para os próximos shows dos Chili Peppers e desejando um pedal EQ para equalizar seus agudos nos captadores da ponte e do braço. Naturalmente, o estúdio estava preparado para experimentar diferente efeitos: modular e os racks de estúdio tinham maior uso, em conjunto com pedais mais convencionais.

“Eu definitivamente usei mais delays nesse álbum do que em qualquer outro” diz ele, “Principalmente por eu estar inspirado pela música dos anos 50 – coisas como Gene Vincent ou Elvis, onde na maior parte do tempo, há um eco de delay , não só na guitarra, mas também na bateria, no vocal, no baixo e em tudo. Então eu tive alguns: um MXR analógico, um DeltaLab Effectron II digital. Alguém sugeriu que eu pegasse um desses delay de fita que estão fazendo agora, o Fulltone Tube Tape Echo. Essa é última coisa que você consegue ouvir no álbum no final de Tangelo, quando do nada começa um delay e se transforma em um tipo de feedback e depois é apenas barulho.”

Uma nova descoberta foi o Boss SD-1 Super Overdrive para um som mais estruturado do que agressivo, assim como o MXR Super Badass Variac Fuzz para solos mais complexos e sobreposições substanciais. Mas ainda é uma incógnita quais estarão com eles na estrada e se a pedaleira do John vai alcançar a grandeza de Slane Castle.

“Eu nunca usei muitos” ele ri ao mencionar a quantidade pedaleiras que ele tinha durante o famoso show de 2003. “Na maior parte do tempo, um pedal era para apenas uma música em particular então eu precisava tê-lo ali caso nós tocássemos aquela música. E também porque de um longo período de turnê, às vezes eu fica entediado com o mesmo som toda noite. Eu gosto de ter pedais que estão ali só para eu fazer algo diferente se sentir vontade.”

“Around The World”

Claro que haverão muitas oportunidades para John se aperfeiçoar na próxima turnê mundial dos Chili Peppers. Como é esperado, a setlist provavelmente terá os maiores hits dele com a banda, assim como muito material novo. Durante a entrevista com a Total Guitar, a banda estava exclusivamente ensaiando as 48 faixas que compuseram para esse álbum e para um outro futuramente. Enquanto que a chance de ouvir Unlimited Love e outros materiais ainda a serem lançados seja excitante para os fãs, John ressalta o quanto está gostando de revisitar as antigas e acrescentar algumas mudanças improvisadas.

“É muito bom tocar as músicas antigas de novo” ele diz, “ Houve um sentimento mágico quando voltamos nesse material. E você sabe que eu gosto de improvisar no palco, então eu estou ansioso para tocar e criar solos diferentes a cada dia. Existe essa reciprocidade com o público quando a energia dele e a pressão de estar tocando para eles e não ser capaz de começar a música do zero, isso cria algo em você como um músico que não é possível recriar como um simples guitarrista gravando num estúdio sozinho, como eu era no passado.”

“Estou ansioso para tocar sob essa pressão e me deixar levar por qualquer espírito que estiver conosco no momento, e tentar alcançar esse sentimento que é gerado entre a banda e o público” ele pausa, “Sabe…eu não toco para um público há cerca de 12 anos. Então é tão novidade para mim quanto compor rock foi quando eu voltei para a banda.”

Ainda assim, Frusciante mais do que se estabeleceu em seu papel antigo, é como se ele nunca tivesse saído. E apesar de trazer consigo novas técnicas de um ponto de vista de engenharia – citando suas explorações com delay reverso e sobreposição e guitarra modular – é descobrindo essa conexão da música crua e o simples prazer de tocar com músicos que pensam da mesma forma, foi o que manteve as coisas excitantes e frescas. No geral isso define um cenário otimista da terceira fase de John com o Red Hot Chili Peppers.

“Existe uma apreciação dessa química que não posso dizer que tive nos meus últimos momentos com banda da última vez” ele admite, “Uma apreciação do que realmente somos capazes – quando você se acostuma com algo, você geralmente não valoriza.

Em muitos momentos eu estive fazendo música do jeito que eu queria e isso foi ótimo. E eu continuo fazendo isso. Mas pareceu ser uma boa decisão para mim como ser humano tentar tocar com a banda de novo. Mais do que tudo, eu me divirto tocando com eles”.

I Like Dirt

John apresenta um guia dos elementos-chave de sua atual pedaleira, cheia de pedais usados no novo álbum dos Chili, Unlimited Love.

Ibanez WH10 e BOSS CE-1 CHORUS ESEMBLE

“Eu usei muito das mesmas coisas – o mesmo pedal wah wah Ibanez, o antigo. E o mesmo pedal Boss, o Chorus Esemble”

BOSS DS-2 TURBO DISTORTION e SD-1 SUPER OVERDRIVE

“Normalmente eu usaria o DS-2. Mas eu também usei o SD-1 – é menos distorcido. Não é uma distorção extrema, mas te proporciona um som poderoso.”

MXR SUPER BADASS VARIAC FUZZ e CUSTOM BADASS ’78 DISTORTION

“Houve muito uso do MXR no álbum. Me deram um monte de pedais. Eu utilizei bastante o som distorcido deles, não apenas nos solos. E um pedal de distorção deles também.”

MXR REVERBS

“Ele esteve ligado quase o tempo todo nos ensaios – o álbum engloba a reverberação real do estúdio. É uma das coisas que eu agreguei como engenheiro – Eu não acho que era muito consciente do som na sala, mas agora ele é muito importante para mim para me dar um senso de espaço. É bem sutil. É um som bem curto, mas eu gosto de ouvir a guitarra assim. O outro pedal serviu para uma reverberação mais longa.”

MXR DYNA COMP

“Às vezes o Dyna Comp era exatamente o que eu precisava em termos de obter a quantidade exata de sustentação. Eu amo o Dyna Comp desde pequeno. Eu era um grande fã de Adrian Belew quando jovem e ele tinha um desse ligado o tempo todo no ínicio dos anos 80.”

“Realmente não importa quanta técnica você tem”

John Frusciante compartilha suas lições aprendidas ao longo de uma carreira marcante na guitarra – e revela suas dicas de como se tornar o guitarrista que você sempre quis ser…

Nunca pare de se esforçar

Nos primeiros anos com os Chili Peppers, eu não estava exatamente no caminho certo. Eu pensei que poderia ser como o Flea que, naquela época, costumava ensair meia hora por dia, e em alguns dias nem ensaiava. E toda vez que ele pegava o baixo, algo incrível saía disso. E então quando eu entrei na banda, eu pensei “Eu posso ser assim!”. E no fim das conta, eu não posso ser assim – se eu tivesse feito isso, não teria criado nada original, eu não me sentiria bem com o que criei, eu não me divirtiria no palco, eu não conseguiria compor músicas ou alcançar o nível de criatividade dele. Para eu ser igual ao Flea, eu preciso me esforçar vinte vezes mais. Eu preciso tocar música de outras pessoas o tempo todo, eu preciso estar escrevendo mais ideias do que eu compartilho com os outros. Eu preciso lutar para entender coisas que não compreendo, e que talvez nunca vá compreender.

Não mude quem você é

Quando eu tinha 18 anos, e no começo dos meus 19 anos, eu estava tentando impressionar, porque eu conseguia tocar músicas complexas ou porque conseguia ser intenso. Isso nunca mudou, mas eu reconheci bem rápido que eu não poderia confiar na habilidade de ser intenso e na minha técnica – a música não significa nada para as pessoas a menos que você esteja entregando algo de si e se colocando numa posição vulnerável. Não é para tentar mostrar às pessoas “Olhe como eu sou bom!”, mas para entregar às pessoas um pedaço do seu coração. Isso me ocorreu bem na época que iniciamos a turnê do álbum Mother’s Milk em 1989. Eu percebi que se continuasse do mesmo jeito, eu nunca estaria feliz com nada do que fizesse, então eu preciso me livrar das ideias do que eu acredito ser bom e tentar ser eu mesmo, descobrir o que isso significa – e parar de tentar ser o que eu acho que as pessoas querem que eu seja ou o que eu acho que os Chili devem ser. Eu preciso tentar descobrir: “Quem sou eu?”

Não tente impressionar

Geralmente quando eu me livro dessas ideias de tentar ser “bom” ou tentar impressionar as pessoas, algo que não posso explicar surge da minha alma quando toco – e as pessoas começaram a gostar muito mais do meu estilo nesse momento; eu comecei a significar algo para as pessoas. Foi uma decisão difícil porque eu parei de me importar: Eu vou ser apenas eu mesmo, não importa o que aconteça, eu vou parar de tentar impressionar. E foi exatamente isso que fez as pessoas começarem a gostar do que eu estava fazendo.

Se mantenha simples e seus colegas banda vão brilhar

Quando eu comecei a tirar todas essas ideias imaturas da minha cabeça e comecei a simplificar tudo e tocar com o coração ao invés de tentar deixar as pessoas impressionadas, o Flea começou a soar muito melhor. Eu percebi isso indo ao ensaio e utilizando um feedback ou segurando uma nota por um tempo, ao invés de tocar. Eu percebi que isso fazia o Flea soar de forma incrível! Eu vi como isso afetou a química na banda e também fez os outros soarem melhor porque eu estava dando a eles o quadro para pintarem, ao invés de passar por cima e pintar eu mesmo. Eu pensei “Eu vou deixar eles fazerem tudo e apenas oferecer uma atmosfera para fazer isso” e eu vi que isso teve um bom resultado em todos.

O verdadeiro talento de um guitarrista está na sua relação com a banda

As pessoas costumam pensar que o talento de um guitarrista vem da habilidade de chamar a atenção. E há ótimos guitarristas que também são bons em chamar a atenção. Mas para mim, a parte fundamental que eles possuem, – que outras pessoas que não chama a atenção, como Bernard Summer do Joy Division ou o Syd Barret, ou Johnny Thunders ou Matthew Ashman do Bow Wow Wow, ou John McGeoth do Siouxsie and The Banshees – o que eles tem em comum com Eddie Van Halen e Randy Rhoads, e Jimi Hendrix é que eles sabiam como ser um integrante de uma banda e fazer todos os outros soarem melhor.Eles sabiam trabalhar em equipe.

“Sim, Eddie Van Halen tinha um estilo glamuroso, mas ele era um ótimo guitarrista e ele fez com que a bateria soasse ótima. Ele fez o baixo ficar ótimo. Ele fez o vocalista ficar ótimo. Para mim não importa realmente quanta técnica você possui, o verdadeiro talento de ser um guitarrista é fazer o resto da banda soar bem. E para algumas pessoas, isso é sobre quem você é como pessoa. Para outras isso significa tocar de forma impecável também. Já para outras pessoas isso significa não fazer nenhum solo, um tipo bem simples de solo. Eu sinto que é através disso que eu mensuro o talento de um guitarrista: em como ele contribui com o resto da banda para criar um bom som juntos. Uma banda de rock não é sobre quatro pessoas em sua bolha individual;  uma banda de rock são três ou quatro ou cinco pessoas que criam música juntas. E o talento de cada um pode ser julgado por como ele está soando – e não pelo que ele está fazendo individualmente, ou pelo que parece ser ou se é difícil ou não fisicamente. Eu percebi isso quando tinha 19 anos, vinte anos e nunca mudou.

Melhore sua dinâmica

Utilizando sotaques ou não, eu acredito ser essa a coisa mais importante em termos de soar expressivo como guitarrista. Isso é algo do qual você não tem controle quando começar a tocar e você pensa “O que faz essas pessoas nesses discos soarem tão melhor que eu se eu estou tocando a mesma coisa?” São os sotaques e tudo o mais no meio disso. Minha rotina de ensaio tem tudo a ver com tocar em escalas de formas diferentes, alternando com sotaques. Eu estou sempre extremamente ciente disso – Estou muito focado na ideia geral do volume que sai quando tocamos notas de forma mais intensa e mais rápida, ou mais suave e devagar.

Desligue sua mente e sinta a química

Quando você desliga sua mente (enquanto toca) é quando percebe coisas engraçadas acontecendo – como por exemplo quando o Flea e eu tocamos o mesmo riff ao mesmo tempo sem que tivéssemos tocado antes nenhuma vez. É muito melhor desligar sua mente e só ouvir e sentir qualquer sentimento que os outros estão te proporcionando. É muito importante escutar os outros, mas você também deve estar estar gostando do que sai do seu instrumento. E isso é outra coisa que eu gosto sobre o feedback; você não sabe o que vai acontecer depois. Você ouve o que sai do alto falante e toca com aquilo.

“Às vezes alguns guitarristas, especialmente quando estão preocupados se o que vai sair deles é algo bom ou não, se apressam antes das notas saírem. E eu sei que é algo natural de acontecer, do jeito que nossa mente é presa no momento presente. Mas se você não consegue se desligar e ouvir o que aconteceu e responder à isso, não importa o quanto você precise se atrasar para isso, eu ainda sinto que esse é o melhor e mais produtivo ângulo de se ouvir. Porque se você se preocupa com o que vai acontecer antes de acontecer, você pode perder o barco todo, mas se você prestar atenção no que acabou de acontecer e como isso interfere no todo, isso se torna um processo regenerativo.

Do mesmo jeito que o feedback é algo que, ao mesmo tempo em que está vindo de você, também volta para você, eu sinto que é do mesmo jeito com qualquer instrumento: toque algumas notas e espere cinco segundos antes de tocar mais. Sinta como isso afeta os outros instrumentos e depois toque qualquer coisa que vier de você sem pensar duas vezes. Essa foi uma das várias maneiras em que meu pensamento mudou, quando eu senti que havia encontrado meu estilo: antes disso, eu ficava preso naquele momento antes de começar a tocar. E depois disso eu me encontrei mais habituado no momento após ter tocado algo.

John Frusciante lista os quatro novos guitarristas que moldaram seu estilo

Enquanto que no seu período afastado do Red Hot Chili Peppers, John Frusciante escutava mais música eletrônica, nas gravações de Unlimited Love ele começou a buscar novas abordagens de guitarristas de rock. Por fim, ele estava gravitando num estilo que ele chama de “música moderna e psicodélica da Califórnia”.

“Eles pegam uma parte do progressivo e levam a uma direção diferente” ele diz, “É muito prazeroso para mim ouvir pessoas tocando rock sem tentar criar um hit ou algo popular.

Eles meio que jogam essa ideia pela janela e só querem fazer música que seja divertida. E eu sinto esse espírito divertido na música.”

A partir disso, John compartilha suas opiniões sobre quatro dos seus guitarristas contemporâneos favoritos, todos os quais levam a guitarra a perspectivas novas e excitantes.

TY SEGALL

“Ty Segall é um grande músico. Um dos meus álbuns favoritos dele, o Twins, é simplesmente ele tocando tudo. Manipulator é outro dos meus favoritos. Eu amo o seu estilo porque ele se envolve e coloca sua energia e magnetismo nisso. Ele é muito bom em fazer o instrumento e a amplificação responderem aos seus sentimentos – você nunca sabe como vai soar depois. Seu estilo tem aquele tom de indiferença que só é alcançado pelas pessoas intensas de alma que, quando não estão nem aí, você consegue ouvir convicção e sinceridade. Através dessa indiferença dele, o que acontece é que ele se importa muito.

JOHN DWYER – Osees

“John Dwyer é um grande líder e conceitualista. Todos os álbuns deles são tão únicos – alguns dos meus favoritos são Protean Threat, Orc e Smote Reverser. Eu adoro a direção em que ele está levando a música – eles continuam mudando e amadurecendo de formas inesperadas. Existe um senso de humor na música deles – o que é uma emoção rara – mas também há uma sensação de conforto e frieza. É lindo quando a música junta contradições como essa.

Ele é bem criativo na guitarra, ele usa o espaço vertical e horizontal de forma incrível e sua guitarra contribui para o cenário geral da banda, o que significa que ele consegue se expressar muito tocando pouco. Parece que ele se importa mais com a afirmação geral da banda do que em se destacar. E ele é outra dessas pessoas em que a energia é como um trem expresso no instrumento.”

CORY HANSON – Wand

“Eu fico tão feliz que Cory Hanson exista. O que ele faz é exatamente o que eu quero ouvir do instrumento. Ele tem uma abordagem artística em conjunto com emoção – é um equilíbrio perfeito. E ele é um ótimo vocalista e compositor também. Ele realmente se coloca de forma emotiva e embarca em viagens criativas em diversar direções. Meus álbuns preferidos deles são provavelmente Perfume, Plum e Golem. Os solos são tão criativos e cativantes – ele sabe como fazer o instrumento falar mesmo que o tom seja alto ou baixo.Eu amo quando a música entrega vulnerabilidade que faz você sentir que tem ali um amigo. Ele é uma dessas pessoas que pode ser tão poderosa criando música acústica quanto eletrônica.”

ZACH IRONS – Irontom

“Zach Irons é muito criativo e pouco ortodóxo. Ele está sempre encontrando novas maneiras de abordagem: técnicas com as mãos que eu nunca vi antes e formas de usar efeitos únicos. Ele está tão profundamente enraizado na essência do rock que ele está encontrando novas maneiras de manter esse sentimento ao mesmto tempo em muda completamente o uso do instrumento.Ultimamente, ele vem recriando seu estilo, eu só sei disso porque somos amigos – a primeira vez que tocamos juntos ele tinha 17 anos, era ele, seu pai (o baterista original do RHCP) Jack Irons, o  Flea e eu. Nós tocamos todo o álbum Presence do Led Zeppelin – foi muito divertido. Desde então somos próximos. Nós nos entendemos e nos apoiamos de uma forma única. Ele nasceu no dia do aniversário do Hillel Slovak (guitarrista original do RHCP), o que é algo doido.”

Tradução: Amanda Colombo - RHCP Brasil

John Frusciante em conversação com Rick Rubin no Broken Record - 01 de abril de 2022

John Frusciante of the Red Hot Chili Peppers | Broken Record (Hosted by Rick Rubin)

Olá a todos! Hoje começa uma maratona de episódios que vai até ao longo deste mês para celebrar o lançamento do novo álbum dos Red Hot Chili Peppers, Unlimited Love, vocês irão ouvir Rick Rubin conversando com os quatros membros da banda.

É fascinante e às vezes até hilário o quão próximos esses caras são e como isso foi perceptível durante essa rodada de entrevista. Todos os altos e baixos que eles já passaram nos últimos 30 anos, e se vocês são fãs de verdade sabem por que esse lançamento é tão empolgante. Unlimited Love é o primeiro álbum após o retorno do guitarrista John Frusciante depois de 16 anos.

John é a parte fundamental dentre os quatro capaz de desbloquear e marcar o som que eles têm construído desde Blood Sugar Sex Magic, neste episódio, você ouvirá John conversando com Rick Rubin, retornando ao posto de produtor nesse álbum, John conta a Rick sobre sua profunda exploração musical como um jovem guitarrista, como ele se apaixonou pelos Chili Peppers na adolescência e como foi ingressar na banda que era fã com apenas 18 anos, então no final da conversa Rick e John recebem um convidado muito especial.

Isso é um encarte para a era digital broken record eu sou Justin Richmond é agora Rick Rubin e John Frusciante:

 

R: Vamos voltar no tempo e me conte sobre a primeira vez que você viu ou ouviu os Chili Peppers, a primeira vez que você ouviu o nome da banda?

J: A primeira vez que lembro de ter ouvido o nome da banda foi quando eu tinha um professor de guitarra chamado Mark Nine ele foi o único professor de guitarra que me empolgava, o único que peguei algumas boas inspirações. Na época comecei a tocar guitarra e ouvia muito punk, e todo professor de guitarra que eu tinha falava mal do punk logo de cara, mesmo eu dizendo a eles que era meu estilo de música favorito e eles respondiam que aquilo não era música e toda aquela baboseira, então esse cara chamado Mark Nine apareceu, ele tocava com Nina Hagen ele tocava na banda dela de tempos em tempos e o Pat Smear era o outro guitarrista, Mark foi o guitarrista principal e Pat foi o guitarrista rítmico por um tempo.

Ele achava Pat Smear um grande guitarrista e Pat Smear foi a principal razão que eu comecei a tocar guitarra para aprender a tocar as músicas do The Germs. O fato de ter encontrado um professor de guitarra que achava Pat Smear um grande guitarrista foi realmente emocionante para mim, além dele gostar de todas aquelas músicas psicodélicas dos anos 60. Ele tocava várias coisas, ele tinha uma banda chamada Underworld e tocava com um cara chamado Randall Kennedy no Reconstruction. Era um tipo de poesia e ele também tinha um grupo de Ska chamado Scotch cha-cha e eu gostava de tudo que fazia, eu tinha fitas cassete de tudo, em algum momento, ele veio e disse que havia uma banda chamada Red Hot Chili Peppers e ele estava fazendo testes e tinha expectativa de entrar. Ele tocava guitarra e baixo, e ficou na minha cabeça que ele estava fazendo testes para o baixo, provavelmente, seis meses a um ano depois disso, eu vi o clipe  True Man Don't Kill Coyotes na MTV e pensei que ele não seria um bom substituto para esse baixista, era nítido que ninguém poderia substituir aquele cara, depois descobrir na verdade era para ser o guitarra que ele estava fazendo audições, algumas semanas depois  eu me lembro dele falando que estava torcendo para ser contratado mas na época eles estavam entre Jack Sherman e Mark Nine e eles acabaram escolhendo Jack Sherman.

 

R: Quantos anos você tinha nessa época, você se recorda?

J: Sim, eu tinha 13 ou 14 na época quando ele estava fazendo testes porque Hillel e Jack, integrantes originais da banda, ficaram por apenas seis meses e em seguida eles saíram, foi quando Anthony e Flea começaram a procurar novos caras, a banda tinha começado em 83 não tenho certeza qual mês.

R: Quantos anos tinha quando entrou para a banda?

J: 18.

R: Então você já conhecia a banda por quatro ou cinco anos antes de você fazer o teste...

J:  Veja bem, não foi logo no momento quando descobri eles que subitamente me tornei um fã.

R: Sim, você apenas estava ciente deles.

J: Sim, eu os conhecia... próximo passo foi ter um amigo chamado Jerry que trabalhou para a Frank Zappa Family e eu costumava passar muito tempo na casa dele ouvindo um monte de fitas do Frank Zappa ao vivo. E em um ponto Jerry me deu uma fita compilada do  tipo esotérico da vanguarda como  Meredith Monk , tinha Funkadelic ele foi a primeira pessoa que mencionou Funkadelic para mim e umas das coisas que tinha naquela  fita cassete foi a  música "Yertle The Turtle" do segundo álbum deles, Freaky Styley, e eu achei ela muito boa, eu  adorei tudo nela, a bateria me lembrava uma versão funk da batida de Captain Beefheart e o pedal wah wah  foi uma coisa tão inteligente como a guitarra foi  incorporada, essa canção tem esta grande forma em cada elemento, por isso, você realmente aprecia o quão boa a parte da guitarra é, o quão boa é a batida da bateria. porque você ouve cada instrumento um complementando o outro. Naquele ponto eles não eram tão diferentes para mim do que The Residents, o baterista deles tinha tocado com Captain Beefheart. E naquele tempo eu estava ouvindo muito Frank Zappa e Steve Vai.

Eu tinha passado por muitas outras fases, mas naquele período eu estava tentando apenas chegar a um ponto em que ninguém poderia me dizer que eu não era um bom guitarrista. E o que as pessoas achassem difícil de tocar, eu me desafiaria a tocar, e os Chili Peppers era uma banda interessante que os vídeos clipes eram divertidos de assistir.

E eu comprei o primeiro álbum deles quando eu estava na Flórida eu tenho essa estranha memória de ter comprado então eu fui até minha madrasta, a quem eu iria frequentemente apenas para dizer coisas estranhas como um dia que fui até ela e disse: “Decidi  que The Rise and Fall of Ziggy Stardust  do David Bowie possui minha melhor parte final de um álbum.”, eu só dizia coisas que ela não dava a mínima, mas eu me lembro de ter ouvido esse álbum dos Chili Peppers e disse: “Eu nunca poderia estar em uma banda como essa, eu nunca conseguiria estar nessa banda porque eu não tenho variedade musical suficiente.”

Risos…

J: Era uma coisa estranha para se falar e ela respondia "Sério, você nunca vai tocar nessa banda, tá legal?" parecia a coisa mais distante do mundo, um álbum qualquer que comprei em uma loja de discos e falar "Não posso estar nessa banda", ainda tenho isso gravado na memória.

Eu tinha um amigo no ensino médio quem gostava muito dos Chili Peppers, ele tinha ido vê-los pelo menos algumas vezes eu me lembro dele ter ido ver eles no Fenders Ballroom, isso foi antes de eu ir vê-los com Fishbone e Faith no More (a melhor da tour do oeste) ele também gostava do álbum Licensed Tale.

Ele me fez gostar de música que estava fora do espectro que eu estava ouvindo ultimamente, pois estava curtindo música que era mais sobre diversão e tinha entrado em um estado de espírito muito técnico.  Então eu fui com ele assistir uma apresentação dos Chili Peppers no Variety Arts Center no centro da cidade, eu já estava muito feliz com shows anteriores como Adrian Belew e Stanley Clarke eu já tinha sentido essa sensação de alegria em shows que tinha indo mas isso não chegou  nem ao pés da sensação de poder ver essa banda, foi quando a formação original voltou, eles não haviam lançado ainda seu terceiro disco e tudo o que eu já tinha ouvido sobre eles, tudo o que eu tinha visto em fita de vídeo não me preparou para a intensidade daquele show tão psicodélico, todos tinham tinta fluorescente em todos os lugares em seus corpos você não conseguia vê-los e as luzes pretas parecia tão sobrenaturais me sentia como se eu e as milhares de pessoas que estavam  naquele lugar  sentissem como se estivéssemos apenas em um sonho coletivo, não pareceria ser real.

Eu vi dois shows que eles fizeram a mesma coisa, eles usavam a pintura e eu nunca tinha experimentado nada onde o público e os artistas fossemos uma só coisa que estávamos todos no mesmo lugar juntos e o resto do mundo não existia.

 R: Nossa…

J: Todos estavam completamente felizes, todos pulando e fora de si. O Punk foi uns dos primeiros estilos de música que eu comecei a curtir mas eu era muito jovem tipo uns 9, 10 e 11 e eu não podia ir aos shows, e naquele show dos Peppers parecia que eu estive sentindo a mesma energia de como eu imaginava ser um show de punk, hoje as pessoas chamam de “Mosh Pit” (roda punk), antes chamávamos de "Slam Pit”.

R: Então Punk Rock foi o primeiro estilo de música que você abraçou?

J: Bem, antes eu curtia coisas que todos os outros garotos de Santa Mônica curtiam, como Aerosmith, Alice Cooper, Van Halen e Kiss. Eram apenas bandas que qualquer skatista ou crianças da vizinhança gostavam, em um ponto eu mudei de Santa Monica para Mar Vista e nesse ponto, descobri a estação de rádio Cairo e um show de Rodney Bingenheimer foi lá onde eu ouvi o punk pela primeira vez, e foi bem gradual, me lembro de gostar de The Devo e dos The B52s em seguida então descobriu The Germs e Sex Pistols. Havia uma garota que foi minha vizinha por alguns meses, ela me levava para uma loja de discos e me deixava fazer cópias das fitas. Lembro de ter ido ao apartamento dela e gravado Never Mind the Bollocks dos The Sex Pistols e More Songs About Buildings and Food dos The Talking Heads. Eu estava em uma nova onda de punk rock e gradualmente se transformou em punk hardcore.

R: Desse ponto em diante você passou a curtir coisas mais técnicas, esse foi o próximo passo?

J: Sim, foram muitas fases pequenas. Punk foi o que me fez tirar o violão do armário e começar tocar mesmo não sendo uma guitarra elétrica, instrumento que eu já queria tocar a muito tempo, mas ninguém me deu e eu não gostava do som acústico, então tive que esperar. Aí pensei, “Está certo! Se eu aprender um monte de canções punk, talvez meu pai perceberá que eu sou dedicado e ele comprará uma guitarra para mim”. Então eu aprendi tocar todo o álbum dos Sex Pistols e muitas outras canções Black Flag e The Germs enfim e ele comprou uma Stratocaster. Em seguida comecei a ler revistas de guitarristas e eu tinha um amigo na escola que realmente gostava de Jimi Hendrix antes disso e eu sempre enchia o saco dele dizendo que o Sex Pistols era muito mais importante para a música do que Jimi Hendrix.

 Nós mostrávamos fita cassete um para outro e assim que ganhei minha guitarra passei a ficar obcecado por Jimi Hendrix e isso me levou a gostar de Jeff Beck e Cream. Havia essa violência no punk, e com todo esse estigma, faziam que as pessoas assim que descobrissem que eu gostava de punk, elas deixavam de ser meus amigos, os pais delas não permitiam que a gente fosse mais amigo. Isso aconteceu comigo várias vezes e, por isso, o Punk deixou de ser meu estilo de música principal e passei a gostar de coisas dos anos 60 apenas pela tranquilidade dos ideais e pela tentativa de me livrar do tipo irritado e violento da mente dentro de mim de alguma forma me atraia.

R: Havia definitivamente um momento quando do punk rock recebeu novos grupos punks como os The Dead Kennedys que escreveu a canção Nazi Punks Fuck Off, o movimento Punk tinha começado como este belo e tranquilo movimento de alta energia se tornou escuro por um período quando esses novos grupos se envolveram apenas para lutar.

J: Sim, havia muita briga e eu senti a violência em mim e eu gostava desse sentimento que o Punk trazia, mas isso também me assustou pois tinha essa outra parte de mim que eu não tinha certeza do que era capaz e sempre tive preocupações se eu era completamente são ou não.

Eu passei muito tempo da minha vida preocupado se eu poderia ser louco. A violência parecia uma coisa maluca para eu estar brincando e alimentando essa parte de mim, gradualmente então passei a ouvir música dos anos 60 de lá fui para música dos anos 70 como Brian Eno, Roxy Music e David Bowie rock progressivo como Genesis, Yes e King Crimson, eles se tornaram minhas bandas favoritas.

Fiquei obcecado pelo estilo de tocar de Adrian Belew. E tudo isso aconteceu quando eu tinha 13 anos de idade, todos os estágios passaram muito rápidos e não é como se eu tivesse parado de gosto de algo, só ficava muito animado com as coisas novas e quando fiz 15 anos fiquei obcecado por Frank Zappa e qualquer guitarrista que estava ligado a ele como Warren Cuccurullo, Steve Vai e Adrian Blue que esteve em sua banda por um tempo mas eu já gostava dele antes disso.

E os Red Hot Chili Peppers assim como os The Beastie Boys eram essas bandas que tinham essa música divertida que eu gostava. Isso graças a este garoto da escola, quando eu mudei para Hollywood aos 17 anos percebi que era hora de mudar, até então eu gostava de todas essas músicas pois elas iriam me fazer ser um guitarrista cada dia melhor. Desta vez apenas comecei a ouvir música que me fizesse bem, coloquei de lado o tecnicamente bom e passei a ouvir música que me dava sentimentos internos mais fortes, naquela época eram New York Dolls, Siouxsie and the Banshees, David Bowie e The X para ser honesto comigo mesmo eram essas as bandas que eu mais gostava.

E os Red Hot Chili Peppers também eram parte disso e no caso deles era uma banda que eu podia ver ao vivo o tempo todo, antes de entrar para a banda, provavelmente vi eles cerca de seis ou sete vezes ao longo de um ano e meio.

R:  E ao longo desse um ano e meio, eles mudaram de alguma coisa? Como fã, você viu se eles estavam mudando, ficando melhor ou pior?

J: Não que eu possa me lembrar, eles pareciam bastante consistentes para mim.

R:  Ótimo.

J:  Houve uns shows que foram encerrados no meio, logo após algumas músicas. Os shows deles eram bem loucos mas sim, eles eram sempre ótimos  na verdade não tinha como saber detalhes, porque cada vez que eu ia, após a primeira vez, eu dizia: “tá certo, desta vez, vou só assistir ao show”, mas toda vez quando começavam a tocar eu começava a pular como um louco e eu mal via eles, eram só pequenos vislumbres quando olhava para palco ou quando eu chegava perto, Deus sabe lá como, e por alguns  segundo e eu olhava para cima e via Hillel, essa memória vai ficar gravada na minha memória  para sempre.

As pessoas que iam comigo para ver eles, eram as que realmente assistiram ao show, elas eram o que tinham alguns comentários profundos sobre o show, para mim era só aquele estado de sonho que descrevi no primeiro show e foi sempre assim em cada show que eu vi porque eu me sentia tão parte da experiência que eu não podia resistir à tentação de apenas pular como um louco.

R: Impressionante.

J:  Não tinha muita crítica no sentido do que estava acontecendo lá, porque eu os via entre as músicas quando eles estavam conversando e eram tão engraçados, sempre diziam coisas engraçadas.

 

R: A forma que você descreve o show dos Chili Peppers de ser elevado de plano, é mesma experiência que eu tenho quando eu vejo vocês tocar no estúdio ou nos ensaios parece que estamos entrando em uma dimensão diferente e a música, de alguma forma, nos faz termos essa experiência transcendente, e quando está  acontecendo, parece que nada mais está acontecendo no mundo só a música que está sendo reproduzida no momento e é diferente sempre, uma outra parte disso é tão estruturado e a ordem da canção pode ser a mesma, mas os picos energéticos e a viagem musical que isso nos leva, sempre sinto uma coisa completamente nova, é surpreendente, é uma experiência de cair o queixo até mesmo nos dias de hoje, então entendo exatamente o que você está falando.

J:  Foi realmente importante manter a energia fluindo quando entrei para a banda pois queria que as pessoas sentissem o que eu sentia nos shows e foi definitivamente uma coisa que me chamou minha atenção em comparação com outros os artistas, eles pareciam ter mais convicção do que outras bandas foi a coisa que me fez jogar fora meus álbuns do Kiss e ficar obcecado pelo The Germs e Black Flag pois tinha uma importância muito grande para estas pessoas.

Percebi bem cedo que eu tinha confiança neles, mas não tinha certeza se eles sentiam confiança neles mesmos ou sobre qualquer tipo de conexão que poderiam ter com uma pessoa como eu. Sentir que estávamos respirando o mesmo ar que estávamos vendo a música do mesmo ângulo e não dois ângulos opostos, não era o vendedor e o consumidor, todos nós estávamos conectados como uma coisa que nos salvaria de toda a confusão da vida.

Vi essa mesma convicção e eu sempre tive esse sentimento que a música realmente importava para aquela banda e queria que isso fosse o centro do que fazemos e do que sentíamos sobre a música e uma melhor conexão uns com os outros.

R: Como você descobriu que eles estavam procurando por um guitarrista, como você acabou entrando para a banda, como isso aconteceu?

J: Quando tinha 17 eu estava morando em Yucca Argyle, Hollywood e me tornei amigo de uma garota chamada Sarah Cox que era de Nova York ela me apresentou a D.H. Peligro dos Dead Kennedys e então eu comecei a tocar com ele e um amigo baixista chamado Robert e começamos a fazer uma banda bastante inspirada nos Chili Peppers - a música "Stone Cold Bush" foi originalmente escrita para essa banda.

R: Nossa!

J:  Nunca tocamos ela nos shows, mas a tocamos algumas vezes. Um dia D.H. me chamou e disse que Flea tinha acabado de voltar de sua última turnê europeia, ele sabia que eu amava o Flea. Então ele perguntou se eu queria fazer um jam com eles. Fui lá e nós tocamos a canção Alice in My Fantasies do Funkadelic e até tentamos fazer um verão cover de Higher Ground o que acabamos fazendo em Mother's Milk. Flea já tinha essa ideia desde daquele tempo de fazer uma versão heavy metal de Higher Ground. Fizemos um jam, acho que Flea gostou muito de fazer um jam comigo pois ele me deu seu telefone e disse que adoraria  tocar mais comigo e algumas semanas depois criei coragem e liguei para ele para fazermos um jam e ele estava chorando e disse que não poderia falar agora porque seu guitarrista tinha acabado de morrer e desligou o telefone bem rapidamente, acredito que ele deve ter me ligado em algum momento depois disso dizendo que estava tentando voltar para o estado de espírito de fazer música novamente não tinha certeza se a banda iria continuar mas queria eu fosse lá fazer um jam com ele na garagem, foi apenas nós dois, sem bateria.

Ele me disse que não sabia se a banda iria continuar e se sim definitivamente me chamaria para fazer um teste. Em seguida ele me ligou e me disse que havia este cara chamado Blackbird, ele ficou na banda por uma semana quando Hillel tinha saído e então tiveram de demiti-lo quando Hillel decidiu voltar eles sentiam meio culpados por isso, e decidiram dar esta chance a ele, então, Blackbird ficou na banda por vários meses, mas eu tinha uma sensação de que eu iria acabar indo para banda o que acabou acontecendo.

R: O que você lembra das duas primeiras jams, era você, Peligro e Flea o que você se lembra dessa experiência quanto tempo durou a jam?

J:  Foi em uma garagem em uma casa onde D.H e Walter do Fishbone moravam, eu já tinha passado por frente dessa garagem muitas vezes, mas sim, tocamos por algumas horas. Flea tocou Alice in My Fantasies e Higher Ground, eu me lembro com certeza, para falar a verdade eu não tenho muita memória, eu estava tão nervoso, de novo, esse estado de espírito foi tudo muito rápido, e minhas memórias são meio inconsequentes mas lembro de coisas como Flea indo até D.H enquanto estávamos tocando e sussurrando algo e eu ficava pensava: "Será que ele está dizendo algo bom sobre mim "

Risos

J: “Ou será que é algo negativo sobre mim" quem vai saber... Eu sentia que ele estava dizendo coisas boas, mas poderia ter sido algo totalmente não relacionado, mas eu lembro desse momento de pensar o que ele estava sussurrando no ouvido do D.H.

R: Você se lembra de pensar que ele estava tocando muito como se você estivesse impressionado com ele?

J: Com certeza, ele é o meu baixista favorito, é incrível poder tocar com ele.

R: Você não ficou decepcionado com a experiência, foi tudo o que você imaginou que seria?

J: Sim.

R: Impressionante!

J: Eu me senti muito bem!

R: Incrível e, em seguida, a segunda vez, foi só você e ele, o que se lembra desse dia?

J: Foi apenas uma espécie de energia baixa, na primeira vez usávamos correias e mandamos ver mas na segunda vez estávamos apenas sentado lá e o clima era definitivamente sombrio me lembro de sentir um pouco desconectado mesmo sendo bom um guitarrista como eu pensei que era na época, mas acho que eu tinha um longo caminho a percorrer em termos de realmente entender como fazer jam com ele porque de várias maneiras eu estava receoso por tocar simples, havia muita dessa contaminação dos anos 80 nas cabeças das pessoas e eu era uma vítima disso e, se eu não tocasse algo sofisticado, eu não estaria dando o suficiente ou as pessoas não iriam gostar do que estava tocando.

Depois de estar na banda por algum tempo percebi que a maneira de saudar alguém como Flea não tem nada com se exibir, pois parece que ele está querendo se exibir, mas ele não está. As pessoas ficam impressionadas com o sofisticado naturalmente quando se ouve o baixo dele se pensa: "nossa ele realmente é muito bom", mas da perspectiva do Flea vindo do jazz e sabendo tocar trompete. O jazz foi a principal música que o seu cérebro formou o estilo dele acaba sendo uma simplificação de uma grande simplificação de seu gosto natural em sua própria maneira e todo seu estilo é uma simplificação do seu baixo, do seu conceito mental básico de música e para mim, simplificar para a mesma quantidade, significava tocar com menos do que eu imaginava, então eu acho provavelmente eu poderia ter tocado muito nesse dia sombrio depois de perceber como eu poderia ter sido mais solidário.

R: Qual foi a primeira vez que você tocou com a banda completa? Ou melhor, me fale sobre a experiência de aparecer para fazer a audição! Imagino que este tenha sido o passo seguinte...?

J: Bem, era mais ou menos como eu estava falando. Quando Flea ligou para me avisar que eles tinham contratado (DeWayne) Blackbird, eu não tinha feito a audição. Ele me disse que eu poderia fazer o teste, e depois voltou atrás. O teste nunca existiu.

R: E o que houve logo depois?

J: Houve uma audição, mas eu não fiquei sabendo quando isso aconteceu. Flea veio com essa ideia. Então um dia ele me ligou – nós já tínhamos uma amizade nessa época, frequentamos as mesmas festas, ou ele vinha para o aniversário da minha namorada, ou qualquer coisa do tipo – e disse: “cara, estou gravando esse cassete de quatro faixas com uma drum machine. Tá a fim de aparecer aqui e gravar a guitarra?” Obviamente eu aceitei e fui ao seu apartamento. Ele tinha três faixas d’ele tocando baixo acompanhado da drum machine, e eu inventei algumas partes de guitarras ali mesmo, plugado direto no gravador. Nos divertimos ali por um tempo, assistimos a alguns vídeos do Funkadelic e saímos com a esposa de Flea, Loesha.

Acontece que – e eu só soube disso muito tempo depois – o que o Flea fez foi gravar (DeWayne) Blackbird tocando guitarra em cima daquelas mesmas faixas, e depois apagou e gravou as minhas partes! De forma que ele tinha mixagem de ambas as gravações e podia comparar quais linhas de guitarra eram melhores.

Mal eu sabia que naquela noite, depois que eu saí, Loesha disse ao Flea: “aquele é o guitarrista do Red Hot Chili Peppers. Ele tem que ser". Por parte do Flea, ele estava se sentindo muito culpado em ter que se livrar de Blackbird. Então acho que, mesmo que eu tenha ganhado aquela “disputa” ou qualquer coisa do tipo, algumas semanas se passaram e mais nada aconteceu.

Eis que um dia Flea me liga me dizendo: “Bob Forrest, do Thelonious Monster, está procurando um guitarrista, e as coisas não vão bem com Blackbird. Eu disse a Bob que ele poderia ficar com o seu número, mas eu também lhe disse que estava de olho nesse cara. Se nós decidirmos ter esse cara nos Chili Peppers, eu estava de olho antes e você não pode ficar chateado de termos pego ele de você!” [John e Rick riem]. Eu conversei com Bob, fiz uma audição com o Thelonious e eles me contrataram na hora. Mas acontece que durante esse teste Anthony estava lá, provavelmente porque o Flea havia comentado com ele a meu respeito. Então eles me ligaram praticamente ao mesmo tempo (Anthony e Flea) e disseram “bem, nós conversamos e queríamos que você fosse nosso guitarrista. Você quer?” e eu respondi “sim, é o que eu mais quero no mundo”. Enquanto eles lidavam com a dor de cabeça de conversar com Blackbird a respeito da decisão, eu falei com Bob e o avisei que tocaria nos shows que já estivessem marcados e “continuo tocando com vocês por enquanto, mas eles me pediram para ser o guitarrista dos Chili Peppers.” E Bob concluiu: “é, eu imaginei que isso iria acontecer”.

Ao longo das semanas que vieram, eu toquei algumas vezes com o Thelonious Monster, mas já comecei a participar de alguns ensaios com os Chili Peppers. E neste momento – eu não sei se já mencionei isso – D.H. Peligro (Dead Kennedys), com quem eu tocava e me apresentou ao Flea, ele era o baterista do RHCP naquele período.

R: Então você entrou na banda antes de Chad?

J: Sim.

R: Eu não sabia disso. Por alguma razão eu achava que você tinha sido o último a chegar na banda, mas talvez eu pensasse isso simplesmente porque você era mais jovem. Enfim, você entrou, e o que aconteceu depois?

J: A banda fez algumas turnês pequenas (com D.H Peligro na formação), como uma cujo nome era Turd Town Tour ao redor do centro oeste, que não foi tão boa assim... [Rick ri]. Foi inconsistente. D.H era um ótimo baterista, mas ele não era tão dedicado ao conceito da banda como o restante de nós éramos. Para mim, eu encarava tudo aquilo como se fosse minha vida, mantendo em mente “se eu falhar nisso, minha vida já era”, e com D.H. o negócio era diferente. Foi uma turnê estranha: às vezes os shows estavam cheios, mas lembro por exemplo de uma noite em que tocamos num bar cowboy, e as únicas pessoas que estavam lá, eram aquelas que certamente iam toda noite lá beber. Anthony ficou furioso por o nosso empresário ter nos colocado lá para tocar. Foi confuso, tivemos de recomeçar músicas várias vezes. Tivemos alguns momentos baixos como esse.

Mas nós éramos grandes amigos. Recentemente, eu vi uma foto de nós quatro juntos, e dá para perceber que temos essa amizade. Quando Chad chegou à banda, ele parecia um estrangeiro. Ele era de Detroit, era mais de hard-rock, e certamente chegou em Los Angeles esperando entrar numa banda tipo Guns N’ Roses ou algo do tipo. Nós tínhamos aquela coisa de incompatibilidade com Chad, enquanto com D.H. era nítido que vínhamos todos dos mesmos caminhos da vida, ou algo do tipo. Nós despedimos Peligro e fizemos testes com inúmeros bateristas, e Chad apareceu. A história é: Denise Zoom, que foi esposa de Billy Zoom, do The X, ela veio até mim num show do Fishbone e do Public Enemy no Santa Monica Civic – que acabou sendo um show bem violento, com notícia de armas e coisas do tipo – e disse: “John, eu tenho um novo baterista para você! Ele come bateria no café da manhã!”. Eu comentei com os outros depois: “bateria no café da manhã? Que frase brega!” [ri].

Ele apareceu no teste e acabou que ele fez a frente o tempo inteiro! Geralmente D.H. seguia o que estávamos fazendo, e eis que Chad chega e começa a conduzir tudo. Começava numa batida de slow funk e terminava num speed metal. Houve outros vários bons bateristas, mas parecia que Chad poderia ser a força motriz da banda do seu próprio jeito. Depois que ele saiu da audiência, Flea disse “acho que ele realmente come bateria no café da manhã!” [ambos riem]. Porque além da energia que ele aplicava ao tocar, quando ele começou Anthony caiu numa crise de riso – e você sabe, as crises do Anthony duram por volta de dez minutos – e ela é contagiante. Eu comecei a rir, e no fim a gente rolava no chão, tamanha intensidade daquele momento.

Então ao longo de alguns meses nós ensaiamos com Chad, dando espaço a ele para inserir suas partes de bateria para as faixas que já tínhamos escrito. Nós oferecemos a ele a chance de gravar uma faixa conosco, a música "Taste The Pain", que era para uma trilha sonora de um filme. Lembro que isso foi em dezembro de 1988, antes de decidirmos efetivamente contratá-lo, e pensamos que seria uma boa oportunidade de ver como as coisas sairiam, mas acabou que Chad disse: “eu não posso, eu tenho que ir para Detroit para passar o Natal com a minha família”. E nós pensamos, tipo “o que há de errado com esse cara? Ele não se ligou da chance que ele tem aqui?” [John ri]. Da minha perspectiva, parecia que ele não valorizava o quanto deveria a chance que ele estava tendo, enquanto eu estava todo amedrontado pensando que se eu desse um passo errado eu estaria fora da banda. Chad parecia mais desapegado.

Acabamos de gravar com Fish (Philip Fisher) do Fishbone para aquela sessão. Mas no fim decidimos que Chad seria o baterista.

R: Vocês fizeram algum show com Chad antes da gravação do disco?

J: Tocamos com ele durante a gravação do disco, mas não antes. Não lembro exatamente como foi o primeiro show com Chad, mas tocamos em faculdades e em lugares pequenos algumas vezes, para fazer um dinheiro extra. Mas sei que foi já durante a gravação do disco (Mother’s Milk).

R: Certamente ele era fundamental para fazer os shows serem sólidos como deveriam ser. Fale sobre o processo de gravação do seu primeiro disco. Foi a primeira vez que você gravou num estúdio propriamente dito?

J: Sim, foi. Na verdade, tínhamos gravado aquele som, "Taste The Pain", e lembro do processo, que inclusive foi tão bom quanto eu pensei que poderia ser. Mas quando fizemos o Mother’s Milk, Michael Beinhorn (produtor do disco) tinha aquele conceito de sublinhar exageradamente o aspecto heavy metal funk que a banda tinha, e ele queria que tudo fosse rápido, acelerado. Para quem não sabe, no estúdio se fala sobre o tempo de a música acelerar ou diminuir, e geralmente quando se diz que alguém está acelerando o tempo, significa que se deveria regravar no tempo adequado, mais lento. Mas no caso de Michael Beinhorn, ele queria que tudo fosse acelerado. Eu nem sequer tinha ouvido esses termos antes, e eu nem tinha certeza do que eles significavam. Eu achava que tinha que tocar no tempo certo, e esse era o objetivo final. Quando ouço o disco eu sinto que tocamos 10 ou 15 BPM mais rápido do que quando tocamos ao vivo. Ele nos fazia regravar takes que julgava não estar acelerado o suficiente. Ele entrava no estúdio e pulava, agitava as mãos, suava, tentando fazer-nos acelerar o máximo que desse. Eu conheço pessoas que vem do jungle drum and bass e do breakcore e amam aquele disco justamente porque é essa versão acelerada do funk, que não é tão diferente de quando você acelera um breakbeat. Eu não sabia o que era aquilo e parecia que Flea e Chad entendiam o que estava sendo exigido, enquanto eu não conseguia fazer porque não entendia, até chegar num ponto que eu não os acompanhava e interpretar isso como fracasso da minha parte e vendo-me como o pior da banda. A maior parte do que está naquele disco são overdubs meus porque eu não conseguia encaixar naquele groove.

R: Então não foi natural?

J: Não, não foi natural. Toda essa coisa de acelerar os grooves soavam não-naturais para mim. Foi um disco difícil para mim, não sabendo nada sobre gravações e tendo Michael sentado do meu lado vendo-me tocar, desconfortável pensando no que ele acharia do meu jeito de tocar. Acho que era um conceito de pensamento avançado em que várias pessoas foram influenciadas por diferentes formas. Parecia-me que ele estava convicto e se apropriou inclusive do projeto na etapa de mixagem e finalização. Nós nem sequer ouvimos a versão final, a não ser quando as cópias já estavam prontas. Músicas foram reeditadas de formas totalmente opostas ao que tínhamos planejado e coisas do tipo. Foi uma experiência intensa.

R: E vocês saíram para turnê depois disso?

J: Sim, fizemos uma turnê de um ano e meio. Ah, Anthony! [Nesse momento, Anthony entra na conversa].

AK: Oi, John! Oi, Rick! Espero não estar interrompendo nada.

R: Tudo bem! Eu estava tendo uma aula de história fascinante. Inclusive, acho que você gostaria de ouvir também. Talvez você não conheça os bastidores da história em que você não estava envolvido.

AK: Os bastidores da história do John?

R: Sim, o John de antes de entrar na banda. É interessante!

AK: Eu conheci John... (não completa a frase)

J: Ah, é! Eu nem contei essa história. Existem algumas histórias envolvendo-me e o Anthony que eu não mencionei. [John ri]

R: Anthony, qual é sua versão de como conheceu John?

AK: É macabra! Cheia de nós! Não é uma... (não completa a frase). Os Chili Peppers tinham um show em Pasadena (cidade da Califórnia), no Perkins Palace, que era um local célebre – inclusive vi grandes shows lá, incluindo King Crimson, quando Flea desmaiou. Mas tínhamos um show marcado lá, e nessa época eu passava por um período extremamente nebuloso da minha vida, regado a narcóticos. E às vezes eu chegava atrasado para os shows, ou até mesmo esquecia-os, afinal, eu estava perdido numa confusão. Nesse caso em particular, me atrasei porque estava no centro de Los Angeles comprando drogas. Ao chegar lá – estava escuro e havia um estacionamento em frente ao local – eu procurei um lugar escondido nesse estacionamento para usar o que eu tinha comprado e anestesiar essa parte ruim em mim. E ali eu vi dois fãs animadíssimos, vibrantes para o show que ia começar! Ao menos do meu ponto de vista, porque essas pessoas eram John e um cara chamado Matt. Eles chegaram em mim no tom de “Cara, estamos aqui para o show! Não podemos esperar! Quais músicas vamos tocar?” E eu reagi no estilo “Ah, prazer em conhecê-los! Estarei lá em um minuto, vejo vocês lá dentro”. [Anthony ri].

J: Ele mal desconversou! Matt perguntou “Anthony, o que você está fazendo?” e Anthony respondeu “Ah, estou dando uma caminhada contemplativa”. [Todos riem]

AK: Contemplativa até demais, sinceramente. [riem]. Em todo caso, tivemos nossos primeiros contatos e eu fiquei, de verdade, impressionado com o seu entusiasmo, e me senti até desmoralizado, por ver tamanho entusiasmo perante a esse meu período tão estranho que estava passando, que eu sabia que não me permitiria dar o meu melhor. E isso importava muito para mim! Mas eu estava passando por essa fase de vício.

Então eu encontrei uma escadaria e, sozinho, sentei-me lá para acertar as contas comigo mesmo, e ficar bom o suficiente para conseguir ao menos fazer o show acontecer. O que acontece é que, passados alguns instantes, eu me dei conta que eu estava sentado na escadaria no departamento de polícia de Pasadena! [todos riem]. Foi justamente esse lugar escolhido para eu fazer esse trabalho sujo comigo mesmo! Eu estava obnubilado.

Entrei, fiquei no backstage, com todas aquelas luzes partindo a escuridão. Minha namorada, minha banda irritada comigo, e em meio a tudo isso fizemos o melhor que podíamos fazer. Mas foi abaixo da média, do meu ponto de vista. Eu não estava em chamas. Acho que essa foi a primeira vez que encontrei John. Ou foi a segunda?

J: Há uma coisa engraçada aí. Acredito que em 1986, meu padrasto chegou em casa e me contou uma história, dizendo que ele estava dirigindo na autoestrada e havia um congestionamento enorme. Ele comia uma banana enquanto dirigia e, ao jogar a casca da banana pela janela, repentinamente pulou para fora de outro carro um cara, pegou a casca de banana, jogou no meu padrasto de volta, e fez uma puta dum discurso a respeito de jogar lixo na rua! Acontece que, uns dois anos depois, enquanto eu andava de carro com o Anthony, ele me contou exatamente a mesma história. Mas na história, ele era o cara que saía do carro para pegar a casca de banana e jogar em quem a havia descartado! [Rick ri muito].

R: Incrível!

J: Sim, isso é muito louco. (rindo)

AK: Sim. Sim. Foi um pouco hipócrita da minha parte. Eu lembro que em La Brea uma vez, bem antes disso tudo, eu vi alguém jogar um saco do McDonald's pela janela – batatas fritas, guardanapos, copos – e eu fiz exatamente a mesma coisa: juntei tudo aquilo e arremessei de volta direto a quem havia jogado. E ele acabou me perseguindo pelo norte de La Brea arremessando hambúrgueres como se fossem armas, enquanto eu desviava ou arremessava de novo. Quando eu era criança, eu fazia a mesma coisa. Via pessoas jogando embalagens de doces em arbustos e eu reagia tipo “Não, não, não, não. Isso é um arbusto. Você não pode fazer mal a um arbusto”.

Houve então essa época que Hillel Slovak morre, Jack Irons sai da banda, e Flea e eu estávamos naquele estado de espírito cuja sensação era "Nós amamos essas pessoas, mas temos que continuar fazendo música, temos que continuar tocando juntos”. E é difícil encontrar pessoas certas para tocar junto. É química. Você pode encontrar as pessoas mais brilhantes da Terra, mas a questão é conseguir encontrar aquela estranha gutural conexão espiritual. Nós tentamos tocar com Blackbird como guitarrista e com D.H. Peligro como baterista, e aquilo não funcionou direito. Flea foi quem disse que havia um jovem prodígio que supostamente era uma real sensação de ouvi-lo tocar guitarra. Fiquei intrigado.

Foi Bob Forrest quem disse “eu tenho um novo guitarrista, cujo nome é John Frusciante”. Conversei com Flea nessa época e ela me reiterou: “Sim, fiz umas jams com esse jovem e ele tem algo diferente”. Eu vi a audição do John para o Thelonious Monster numa garagem, e enquanto eles tocavam eu pensei “Eu tenho que intervir. Eu não posso deixar isso acontecer. Ele é muito perfeito para o que nós estamos fazendo”. Certamente foi uma fase punk egoísta da minha parte. Lembro de conversar com John após esse episódio e dizer: “Foi uma baita de uma audição, mas você consideraria entrar na nossa banda ao invés daquela que você fez audição?”. Essa é a minha memória enevoada; John deve ter uma lembrança mais clara.

J: Sim, eu mencionei isso mais cedo.

R: Sim, basicamente os mesmos eventos em série.

AK: Sim... Como eu disse, encontrar essas pessoas certas para se conectar num nível invisível em que você consegue ouvi-los e eles ouvem-lhe, de alguma forma, acabam colocando suas energias musicais juntas para fazer sons e músicas, e viver a vida conjuntamente, parece uma espécie de intervenção divina quando isso acontece. Eu vi isso algumas vezes. É um encaixe difícil de acontecer.

R: Sem dúvidas. O que você lembra sobre aquele ensaio do Thelonious Monster?

AK: Eu lembro de ficar hipnotizado com a personalidade e destreza do John. Ele havia subido no palco com todos aqueles músicos mais velhos e mais experientes, e ele acabava sendo a força dominante naquele instante. Era cheio de energia. Ele era jovem, e ninguém havia frustrado seu amor e entusiasmo e todos esses fatores a respeito de música e sobre se estar num palco. E ele sabia tocar! Ele aprendia músicas muito rápido e eu gostava dele como pessoa. Ficamos bem próximos naquela época.

R: Você se lembra da primeira vez que tocou ao vivo junto com John?

AK: Eu lembro de a gente tocar no Holy Gully Stage bem vividamente. John estava tocando numa Ibanez, não estava?

J: Sim, estava. [indo]

AK: Isso era novo e diferente para nós. E ela tinha... adesivos?

J: Eu tinha duas guitarras. Uma delas tinha mulheres peladas coladas. Talvez na época eu não tivesse ainda a Ibanez, mas lembro de ter essa com os adesivos com as mulheres quando entrei na banda.

AK: Qual era?

J: Era uma Performance, feita no norte de Hollywood.

AK: Agora estou tentando pensar no nosso primeiríssimo show.

J: Phoenix, no Arizona.

AK: É? Tipo... um só?

J: Sim, fizemos este e depois tocamos no John Anson Ford (teatro localizado em Los Angeles). Esse foi o segundo.

AK: Uau! [ri surpreso] Eu lembro pouco do show em Phoenix, mas lembro bem desse no John Anson Ford, porque nós decidimos usar uma fantasia.

J: Sim, fantasias de super-herói.

AK: Sim, com exceção do nosso baterista, D.H. Peligro, que usou uma fantasia de abelha, para seu desgosto. Ele odiou. E nós ficamos pensando “Como assim? Como ele odiou a fantasia de abelha? Ele está ótimo! É uma puta duma abelha tocando bateria!”. John Belushi também usava uma fantasia de abelha no Saturday Night Live, e ele também a detestava muito.

R: Você se lembra do primeiro show com Chad?

AK: Oh, espera aí sim sim sim, foi em Roxy.

J: É isso mesmo?

AK: Bem, foi o primeiro ou o segundo.

J: Você está certo, acho que sim.

AK: E ele estava atrasado, muito atrasado.

R: Oh meu Deus!

AK: Chad, é uma força da natureza a audição dele para entrar na banda foi com John e Flea no Holy Gully e foi tão profundo e inesquecível, já tínhamos tocaram com vários bateristas, eles eram interessantes mas só conseguiam fazer certas coisas... bem, então Denise Zoom a antiga namorada de Billy Zoom tinha sugerido este cara de Detroit Michigan e Chad entrou no estúdio muito despreocupado, não estava nem aí para o que nós achávamos quem nós éramos, e naquele momento  nós achávamos que éramos muita coisa, então  ele se senta e simplesmente explodiu nossas cabeças com seu poder e seu ataque, Flea normalmente era o que liderava a dança e de repente nós tínhamos esse baterista Chad Smith que comia bateria no café da manhã.

[Risos]

AK: E de repente ele assumiu a dança e todos nós estávamos rindo histericamente tentando acompanhá-lo.

Chad tinha esse cabelo longos e nós dissemos: “Raspe sua cabeça e você tem uma vaga na banda” então ele disse, “Acho que vou deixar passar” então eu disse: "você não entendeu, você conseguiu a vaga só terá que raspar a cabeça” e ele: “Então está certo obrigado mesmo assim”.

Naquele momento pensamos “Este cara é forte o suficiente em sua própria convicção e não iria raspar a cabeça para entrar para a banda", isso talvez nos tenha feito gostar dele ainda mais, em seguida, ele estava atrasado para seu primeiro show.

[Risos]

 J: Eu fiquei tão bravo com ele.

AK: Por não raspar ou por estar atrasado?

J: Por estar atrasado, porque eu já tinha esse sentimento talvez ele não tivesse percebido que era uma banda excelente era uma ótima oportunidade e ele não estava dando valor. E então ele aparece tarde, aí pensei: “O que há de errado com este cara.”

 [Risos]

R: Que engraçado!

AK: É sim, é sim.

J: Me lembro que ele iria continuar... ele tinha se matriculado na escola de bateria e no primeiro ensaio após sua entrada na banda eu disse: “você vai sair da escola de música, não é?” e ele: “Na verdade não, meus pais é quem pagaram por isso vou continuar indo” eu respondi: “você ainda não entendeu que esta é a banda mais famosa do mundo”

[Risos]

J: “Você pode ganhar a vida fazendo isso, não vai precisar ir a uma escola de música”. Ele era realmente difícil de convencer.

R:  Vamos falar sobre sua reflexão de que estava na melhor banda do mundo, mas na realidade neste momento os Chili Peppers já eram a banda mais popular de LA?

AK: Eu diria que éramos mundialmente famosos em Hollywood.

[Risos]

AK: Quero dizer, isso realmente vai depender para quem você pergunta, pois no nosso primeiro show em 1983 nós tocamos uma música porque era a única música que nós tínhamos e depois dessa apresentação, se você tivesse perguntado para mim qual banda era mais popular em LA, eu teria dito que seríamos nós obviamente.

[Risos]

AK: Tínhamos um sentimento inflado ao nosso respeito, mas não era puramente de um ponto de vista narcisista pois em nosso mundo podíamos sentir que estávamos fazendo algo especial e dava para sentir isso dentro de nós.

Então, quando John entrou, tivemos verdadeiros altos e baixos, mas nós certamente estávamos no radar de popularidade em LA.  Não estávamos John?

J: Sim, eu diria que as outras bandas naquele momento que pareciam ter um semelhante nível de popularidade eram Jane's Addiction e Fishbone pelo menos na nossa cena pois tinha bandas de heavy metal, mas esse era um mundo completamente diferente que muitas vezes tocavam em locais completamente diferentes, no que se trata das coisas que estão enraizadas no punk, foram com certeza essas três bandas que tocavam nos mesmos lugares.

AK: Nós não éramos mundialmente famosos naquele momento.

J: A banda ainda não tinha tocado em todo lugar do mundo, mas acho que a banda poderia encher um clube onde quer que fossemos com certeza.

AK: Poderíamos tocar no Dingwalls no Reino Unido.

Narrador: Obrigado John Frusciante e Anthony Kiedis por falar sobre os primeiros dias da banda certifique-se de conferir o show da próxima semana em que Rick continuará esta conversa com Anthony e John vamos ouvir sobre como John se juntou à banda, bem como as histórias por trás das canções do seu novo álbum Unlimited Love você pode ouvir Unlimited Love e todas as nossas canções favoritas Red Hot Chili Peppers.

Tradução: Jonathan Paes e Pedro Saczk

Fonte: Broken Record (Hosted by Rick Rubin) - 01 de abril de 2022