Chama caseira - Maio de 2014

CHAMA CASEIRA

O ex-Red Hot Chili Peppers John Frusciante mantém o fogo caseiro queimando com o seu mais recente trabalho solo, Enclosure, e diz por que seus dias no palco ficaram para trás

Por Richard Bienstock

Desde que deixou o Red Hot Chili Peppers – pela segunda vez – em 2009, John Frusciante se manteve praticamente ausente dos olhos do público mainstream. Mas isso não significa que o guitarrista não esteve ocupado escrevendo, gravando e lançando novas músicas. De fato, sua produção nos últimos anos tem sido divergente em quantidade e saída. Ela engloba álbuns solo (o eletrônico e experimental PBX Funicular Intaglio Zone de 2012), EPs de gêneros misturados (Letur-Lefr, de 2012 e Outsides, de 2013), singles distribuídos como downloads gratuitos (a peça solo de guitarra de 10 minutos "Wayne"), colaborações (com, entre muitos outros, a cantora – e sua esposa – Nicole Turley e o guitarrista do At The Drive-In e Mars Volta, Omar Rodriguez-Lopez), e até mesmo trabalho de produção (com o grupo de rap filiado ao Wu-Tang Clan, Black Knights).

Mas não importa o projeto que ele persiga nestes dias, o traço comum de Frusciante é sempre, de uma forma ou de outra, fazer música. O que não é bem a mesma coisa que tocar música:

“O importante para mim é estar no processo criativo”, diz ele. “Eu costumava ser muito frustrado quando estava em uma banda de rock com a obsessão de todo mundo pelo o que será feito no final do dia. Eu não acho que isso deva ser o objetivo, tipo, ‘Oh, ótimo, acabamos. Agora podemos ir para a tarefa mais importante, que é promover nós mesmos ou ir para o palco’. Para mim, estar no estúdio gravando e sendo criativo é a sua própria recompensa. E as melhores coisas que acontecem surgem durante o processo, e não após. Então, eu estou feliz de viver no estúdio e de mergulhar na música”.

E, aparentemente, terminar projetos em sua própria agenda. Sobre isso, a mais recente oferta de Frusciante é Enclosure, um trabalho de 10 músicas que ele escreveu e gravou a maioria em 2012, ao mesmo tempo em que estava produzindo o disco do Black Knights, Medieval Chamber. Tal como os seus últimos lançamentos solo, Enclosure encontra Frusciante se aprofundando ainda mais em sua fascinação por sons eletrônicos. Além disso, como a maioria de seu trabalho solo, ele canta e toca todos os instrumentos – que além de guitarra consiste principalmente em baterias eletrônicas e sintetizadores criando paisagens sonoras descontroladamente divergentes e impressionistas, que são alternadamente viajantes (“Run”), sinistras (“Shining Desert”), sem direção (“Crowded”) e pungentes (“Fanfare”). Há também uma boa dose do trabalho inimitável do guitarrista tantas vezes elogiado, como nas cinéticas sacudidas de notas simples no meio de “Stage” e nos acompanhamentos angulares para Acid que se estendem praticamente por todo o comprimento da instrumental de mais de seis minutos, “Cinch”.

Para isso, enquanto Frusciante ultimamente parece estar mais extasiado com instrumentação eletrônica, ele também ressalta que os fãs de sua guitarra irão encontrar muita coisa para gostar no seu álbum solo. “Na verdade, há muito mais guitarra em destaque aqui do que há em qualquer álbum dos Chili Peppers”, diz ele. “Solar em um álbum dos Chili Peppers significa que você toca pouco mais de 20 ou 30 segundos no meio da canção. Mas eu tenho solos de 10 minutos em algumas dessas coisas. Assim, a guitarra sempre desempenha um papel importante na minha música”.

Mas talvez o mais significativo seja o fato de que, se ele está tocando guitarra, cantando, ou até mesmo programando uma máquina de sintetizador ou bateria, o lançamento solo de Frusciante é em todos os casos uma construção sem filtro e sem obstáculos de sua própria mente criativa. “Como músico, eu desejo ouvir minha visão completa realizada”, diz ele. “Não estou interessado em ver como as outras pessoas querem mudar o que eu faço, ou como seus próprios talentos musicais se inspiram no que eu faço. Eu quero fazer a coisa toda do meu jeito. Não é uma questão de querer ter o controle – é uma questão de querer estar no processo criativo, sem considerações humanas e sem considerações comerciais afetando a música”.

Na véspera do lançamento de Enclosure, Frusciante falou com a Guitar World sobre seu processo criativo, o seu amor por instrumentos eletrônicos e como ele aproxima o solo de guitarra a seu trabalho atual. Ele também falou com franqueza surpreendente sobre alguns dos desafios artísticos que enfrentou durante o seu tempo no Chili Peppers e explicou por que, enquanto está, talvez, mais comprometido do que nunca com fazer música em um estúdio, ele pode nunca mais tocar ao vivo em um palco de novo.

ENTREVISTA

Guitar World: Sua música solo abrange muitos sons e estilos diferentes. Para aqueles que só conhecem seu trabalho com os Red Hot Chili Peppers, é muito fora do que eles estão acostumados a ouvir de você.

John Frusciante: Quando você está em uma banda popular, você tende a fazer o que acha que o público da banda irá responder. Mas os meus gostos sempre foram muito diferentes daquele estilo. Mas [no Chili Peppers] eu estava objetivando escrever coisas que eu sabia que Anthony [Kiedis] gostaria de cantar, Flea gostaria de tocar baixo e Chad [Smith] soaria bem tocando bateria por cima. Então você entra em uma situação onde você está apontando sua musicalidade numa direção, que é a direção do público, da banda e os membros da banda, dos gestores da banda e da gravadora da banda. Mas a música que eu faço agora não é dirigida a qualquer público específico, a quaisquer interesses empresariais específicos ou qualquer coisa assim. Eu especificamente não faço música a fim de fazer outras pessoas felizes. Eu faço a música que me faz feliz. Então, eu entendo como o lado de fora [a música que eu estou fazendo agora] seria surpreendente com base no que eu fiz antes. Mas qualquer um que me conhece sabe que estou fazendo exatamente o que eu quero fazer.

Mesmo que haja uma abundância de guitarra, a música não é, geralmente, baseada em riffs. Você às vezes se refere ao que você faz como progressive synth-pop. Como sua guitarra se encaixa neste som?

Eu me treinei como músico nos últimos seis anos para aprender a pensar mais como um tecladista do que um guitarrista. Não que eu realmente toque teclados – eu programo números em máquinas e é aí que os sintetizadores surgem na minha música. Mas como guitarrista, eu posso tocar junto com o material de Rick Wakeman no Yes ou coisas de Tony Banks no Genesis, e penso do jeito que as pessoas pensam. Então, quando escrevo progressões de acordes hoje, eles tem mais em comum com esse estilo. E quando eu solo, quero que haja algumas modulações interessantes ou outras coisas para tocar por cima. Estou à procura de algo que um guitarrista normalmente não quer para solar por cima.

Quando você aproxima esses longos solos de guitarra a músicas como “Same” do Outsides, de 2013 ou “Cinch” do novo álbum – o que você faz para conseguir?

Estou tentando me desafiar. Eu tento fazer coisas que seriam inconvenientes para um guitarrista solar sobre. Isso é o que é divertido para mim – ver a correspondência entre minha imaginação e meus hábitos e a minha inteligência. Eu quero que eles todos coordenem-se um com o outro e que eu tenha dificuldade em fazer isso. Tipo, eu não quero ficar apenas solando sobre um vamp em Mi ou algo assim. Eu quero os acordes mudando, quero o tom sendo modulado. Quero que seja algo que um guitarrista de blues não pudesse apenas sentar e tocar. Olhando ao longo da história, eu percebo que você tem essas pessoas realmente boas solando sobre modulações, como George Harrison, Jeff Beck ou Mick Ronson. Mas noto que eles não tocam tão loucamente como Frank Zappa ou Jimi Hendrix. E a razão de Frank Zappa ou Jimi Hendrix tocarem mais descontroladamente é porque eles solam principalmente sobre vamps. Então o que eu tento fazer é tocar sobre os tipos de progressões que pessoas como Mick Ronson ou George Harrison mais solaram, mas fazendo isso de uma forma que seja tão selvagem como Jimi Hendrix ou Frank Zappa.

Você também escreve e toca todos os instrumentos de apoio que tendem a consistir principalmente de sintetizadores, drum machines e samples. O que te levou ao seu interesse em instrumentos eletrônicos?

Quanto aos instrumentos eletrônicos, você só tem que entender que a razão pela qual aprendi a tocar todos esses instrumentos é que acredito na minha própria visão da música, e não queria apenas contribuir para uma música, como fiz quando eu estava em uma banda. Quero criar uma música sozinho. Então, eu quero tocar bateria do jeito que quero que soem e quero tocar sintetizadores do jeito que quero soem. E quero usar samples, porque penso que eles são o instrumento mais forte e mais poderoso do mundo. Então essa é a razão pela qual estes são os instrumentos que eu toco, porque como músico eu desejo ouvir a minha visão completa realizada.

O fato de você gravar sozinho e em casa ajuda.

Ajuda. Enclosure estava esperando há quase um ano, mas estou lançando-o apenas agora. Nunca houve qualquer pressão sobre mim por uma fonte externa. Isso costumava ser realmente irritante. Não ajuda estar cercado por pessoas que só se preocupam com as coisas quando você está terminando, enquanto você realmente gosta de estar no processo. É perturbador.

Todas as coisas que acontecem depois que a música é gravada – o marketing, as entrevistas, as aparições – são todas as coisas que você não tem nenhum interesse em fazer parte de novo.

Não acho que isso seja como um músico deve pensar. Digo, eu acho que Beethoven escreveu boa música. Ele não estava achando que as pessoas deveriam gostar do seu charme ou do sorriso em seu rosto ou da porra das coisas espirituais que ele tinha a dizer, sabe? [risos] Ele manteve sua mente na música, e foi ficando melhor e melhor fazendo música ao longo de sua vida. Independentemente de como o público respondeu com o que ele estava fazendo, ele não estava usando-os como seu guia. E acho que um músico pode viver uma vida longa e saudável assim. Se você está sempre pensando sobre se o que você está fazendo é acessível ou cativante, estas são coisas que não são habilidades musicais. Elas são maneiras que você pode chupar o público ou chupar pessoas de negócios. Você não pode desenvolve-las diretamente pela prática do seu instrumento. Então, na minha mente, as coisas que músicos profissionais trabalham pensando no futuro não são objetivos musicais; são objetivos de finanças, popularidade e visibilidade. Para mim, eu não entendo isso. Você tem tanto espaço mentalmente, e tem tanto tempo para estar aqui...

Como tocar ao vivo entra isso?

Com os Chili Peppers, eu estive na banda, tipo, 10 anos, nesta última vez. E passamos mais tempo em turnê do que escrevendo, de longe. Para mim, esse não é um caminho para um músico viver sua vida. Eu consigo entender que é uma ótima maneira de viver sua vida se você é um caçador de atenção. Mas para alguém que ama a prática musical é realmente um desafio estar em uma banda como essa. Eu consegui estar em turnê e praticar todos os dias, antes e depois dos shows e passar alguns dias de folga lendo. Mas você está indo contra a maré se fizer isso nos negócios do rock and roll. A maioria das pessoas nos negócios do rock and roll está feliz em passar a maior parte do seu tempo elaborando estratégias de como elas poderiam ser mais populares. Não acho que isso é um estilo de vida saudável para um músico.

Então, mesmo o ato de tocar música no palco começou a perder apelo para você?

Bem, sim, porque você está se repetindo mais e mais. Você pode tocar um pequeno riff adicional em algum lugar, ou pode fazer um pouco de improvisação no final do show, mas, basicamente, você está fazendo a mesma coisa todas as noites. E o público está experimentando como se fosse a primeira vez que isso acontece, mas você está ciente de que você tem feito todas as noites pelo último ano e meio. Você está agindo estar todo animado com aquilo, mas não está.  Tudo é apenas um grande jogo de fingir, que o público, de alguma maneira, acredita.

Você pretende tocar seu próprio material ao vivo em algum momento?

Hummm...não. Eu acho que não nasci para o entretenimento. Acho que foi algo que me adaptei e que me forcei para isso. Mas não sinto que isso é quem eu realmente sou. Flea, Anthony e Chad para mim nasceram para entreter. Eu não. Não é o que fui colocado aqui para fazer.

Você prefere fazer sua música no estúdio.

Sim. Subir ao palco para mim me parece...é um desfile. Você meio que está usando sua presença física como um adereço ou algo assim. Não é realmente uma coisa musical. E acho que todas essas gerações que surgiram depois da MTV devem se lembrar que a música não é uma coisa visual. É um som. É uma perturbação das moléculas de ar. Não é a cara que alguém faz ou a roupa que alguém usa. Hoje o que pensamos como um músico de verdade é alguém que vemos no palco detonando com seu instrumento, fazendo seus giros e suas caras. Mas eu acho que as pessoas devem se lembrar que nem sempre foi assim. Houve um tempo em que os músicos mais poderosos do mundo eram compositores. Eles não estavam lá quando você estava ouvindo a música. Eles viveram isolados, escrevendo.

Quais guitarras que você vem usando ultimamente no seu processo de escrita e gravação?

Estive tocando principalmente Yamahas SG-2000, do final dos anos setenta e início dos anos oitenta. Elas são meu tipo favorito de guitarra. Você pode obter uma grande quantidade de variedade de tons delas, e em termos de madeira, são guitarras muito pesadas, então elas possuem um som muito gordo. Muito mais gordo do que Strats. Eu também tenho algumas SG-1500, e também uma Ibanez Artist e uma Carvin Allan Holdsworth. A Carvin é uma guitarra interessante - é oca por dentro, mas não tem f-holes. Por isso, tem um som diferente. Também tenho uma guitarra Roland G303, que uso com uma guitarra-sintetizador GR300.

Nos Chili Peppers, você estava sempre associado a Strats antigas.

Eu costumava tocar guitarra dos anos sessenta e setenta, mas agora estou mais em guitarras do início dos anos oitenta. Aliás, essa é também a mesma época de quando a maioria dos sequencers e drum machines que eu uso foram feitas. Acho que foi uma época muito boa para instrumentos eletrônicos.

De um ponto de vista de construção de guitarras, o início dos anos oitenta não é um período que normalmente é fetichizado.

Sim, e me parece engraçado, porque essas guitarras são realmente ótimas. Quando comecei a tocar Strats, elas não eram guitarras populares. Naquela época as pessoas estavam tocando guitarras de heavy metal. Minha primeira Strat vintage provavelmente comprei por 800 dólares. Elas não eram muito procuradas. Mas as toquei por muito tempo e me acostumei com aquela coisa característica que as velhas guitarras de captador único possuem. Mas a Yamaha SG, essa guitarra é equilibrada harmonicamente da mesma forma que um piano ou um órgão é. Se for a nota mais baixa ou a mais alta do instrumento, tem um tipo igual de amplitude. E você não tem tanto roundness no som, onde a nota começa mais fina e, em seguida, fica mais grossa...todo esse tipo de coisa. Você fica com um som direto, gordo, consistente em cada traste de cada corda. É um grande instrumento para mim, especialmente sobre o que eu estava dizendo de pensar como um tecladista quando toco guitarra.

E sobre amplificadores?

Uso principalmente um Marshall [Silver] Jubilee. Tenho a cabeça bem perto de mim no meu estúdio e o gabinete fica numa sala separada. Quando estou gravando, algumas vezes envio o som volta para o estúdio através de alguns alto-falantes e os gravo novamente por um microfone ambiente. Então combino o som ambiente com o som gravado de perto. Vários sons de guitarra no álbum, não são só o som da guitarra no momento em que toquei.

Você tende a gravar suas músicas de forma rápida?

Eu diria que as coisas se movem muito rápido por aqui. Provavelmente tenho duas ou três músicas que podem ser feitas em qualquer tempo. Mas, como eu disse anteriormente, o que é importante para mim não é realmente terminar as coisas, é estar no processo criativo. A razão pela qual eu me esforço para destacar a música é por causa da capacidade exploratória da minha mente. É a parte de explorar que é interessante para mim. Não obter resultados.

O fato de você escrever e gravar em casa torna possível mergulhar nesse processo criativo em qualquer grau que você deseje.

Minha vida está muito bem fazendo música durante o dia todo, todos os dias. Mas eu também passo muito tempo deitado, lendo livros, assistindo TV ou saindo com a minha esposa. Faço música por alguns dias, então me distancio por alguns dias. Para mim não é trabalho.

Isso soa como uma boa maneira de viver.

É assim que eu decidi viver. Eu tendo a deixar os fatores da música me guiarem em vez dos fatores do dinheiro. E para mim, música é divertido, relaxante, interessante e estimulante. E eu não tenho que equilibrar isso com alguém me empurrando nesta direção ou naquela direção. Não tenho necessidades do mundo exterior. Então, eu diria que a minha vida é muito uniforme. Não tenho muito estresse na vida.




Fonte: Guitar World - Maio de 2014

Dentro da zona - Março de 2014

DENTRO DA ZONA

Uma entrevista EXCLUSIVA com JOHN FRUSCIANTE

Por Stephen SPAZ Schnee - 19 de março de 2014

O que você faria se fosse um dos guitarristas mais famosos do rock, já tivesse vendido milhões de álbuns e criado algumas das músicas mais amadas do rock alternativo das últimas três décadas? No caso de John Frusciante, ex-guitarrista do Red Hot Chili Peppers, ele olhou para dentro de si mesmo para criar algumas das músicas mais emocionantes de sua carreira. Ao invés de seguir uma fórmula experimentada e real, John criou uma nova. Então criou outra nova. E depois outra... Ele não apenas segue em frente, ele também segue para cima, para baixo, para os lados. Enquanto outros músicos teriam optado por seguir uma rota segura e por se manter mandando os mesmos álbuns a cada lançamento, Frusciante criou algo totalmente diferente, partindo do zero. A cada fase de sua carreira, é como se ele estabelecesse novas regras e limites para a sua música e, em seguida, mudasse, mandando essas regras para o mais longe possível. A cada lançamento, parece que a mente de Frusciante é um poço inesgotável de energia criativa.

Ao longo dos últimos anos, Frusciante tem abraçado a música eletrônica e conseguiu criar uma música que apresenta elementos familiares que ainda permanecem frescos e novos. Misturando dubstep, hip hop, synthpop, house e rock experimental com blues, gospel e qualquer outro estilo que se adapte a sua fantasia, seus últimos álbuns adicionaram nova vida a cena, às vezes perdida, da música eletrônica. Se algo já foi feito antes, Frusciante cria algo novo daquilo. Cada passo musical que ele dá o leva para mais longe de onde ele começou, e ainda o deixa mais perto de sua visão musical única – uma visão que está sempre em expansão. Seu álbum Enclosure, de 2014, segue – e amplia – a jornada que começou com o EP Letur-Lefr e o álbum PBX Funicular Intaglio Zone, ambos de 2012, e que continuou com o EP Outsides, de 2013. Gravado ao mesmo tempo com sua colaboração com os pesos pesados ​​do hip hop (e afiliados do Wu-Tang Clan) Black Knights, Enclosure é um álbum cheio de camadas de maravilhas. Para cada bela passagem melódica, você encontra ritmos de dubstep de tremer o corpo, torções e voltas musicais. Quanto mais vezes você ouve, mais camadas você consegue ouvir e descobre novos sons. Stephen “SPAZ” Schnee conversou com John sobre o álbum Enclosure e muito mais...

ENTREVISTA

STEPHEN SPAZ SCHNEE: As músicas do Enclosure, bem como o seu material solo recente, são muito pouco convencionais no sentido de que elas adicionam todas essas camadas interessantes para os álbuns. Você pretende meio que desafiar o ouvinte ou é apenas um desafio a si mesmo como músico?

John Frusciante: Definitivamente gasto muito tempo me desafiando. Eu tive um período de cerca de três anos, quando estava aprendendo meus instrumentos eletrônicos, onde nada do que eu estava fazendo era destinado a ser lançado. Eu estava trabalhando completamente apenas para me educar, para aprender e aprender a colocar o mesmo grau de expressão em instrumentos eletrônicos que eu colocava numa guitarra antes disso – o que se leva anos para ser capaz de fazer. É muito fácil cair em padrões familiares em um instrumento que você conhece muito bem, mas em instrumentos eletrônicos, para torná-los expressivos, realmente se envolver com eles e ter o mesmo tipo de interação fluindo com o instrumento, é um jogo totalmente diferente. Assim, durante esses anos, fiz cerca de 50 horas de música com meu amigo Aaron Funk, que também foi música especificamente não destinada a ser lançada. Eu acho que há muita coisa que músicos podem aprender se realmente tirarem o público da equação e apenas fazerem aquilo por si mesmo em uma espécie de comunhão com a música. Então, aos poucos, esse estado de espírito acabou sendo do jeito que eu pensava. Mesmo que eu tivesse a intenção de fazer um disco, não estou especificamente tentando fazer algo que vá afetar o ouvinte. Não estou realmente considerando o público ou a pessoa comum. Eu gasto todo meu tempo estudando álbuns e fazendo música. A música que eu faço, tão inconvencional quanto pareça, é sempre inspirada por algum tipo de tradição. Examino o que as pessoas fizeram com a música no passado e especificamente tento fazer coisas que não foram feitas no passado, mas que são continuações de velhas ideias. Tipo, a maneira como a música cresceu na história...Sempre foi tão baseada em tendências nos últimos 50 anos, que, assim que a tendência acaba, algum determinado novo princípio musical também pára de evoluir. Então, eu olho para a história e miro em algum pequeno período de tempo que eu goste, em que alguma ideia estava se desenvolvendo e, em seguida, ela é substituída por outra coisa, e eu apenas tento continuar esse aspecto específico dessa ideia que penso que tinha outro lugar para ir. Sabe, você tem exemplos em todo o lugar na história da música. O rock progressivo meio que parou quando houve o surgimento do punk rock...ou a Surf Music parar depois dos Beatles. Aconteceu assim muitas vezes e por isso eu pego coisas que gosto e tento colocá-las em um novo contexto e movê-las para frente. Tento combinar várias tradições, como o estilo de produção de um álbum, o estilo de guitarra de outro álbum, apenas combinando diferentes estilos tão livremente quanto for possível. Acho que muita gente se encaixa em um gênero, ou são parte de certa tendência ou certo movimento musical e eu realmente me removo de qualquer tendência ou gênero específico.

Em relação às faixas do Enclosure, você as gravou com intenção de colocá-las no mesmo álbum ou foram gravações que você apenas sentiu que ficaram boas reunidas?

Desde o PBX Funicular Intaglio Zone, elas são tudo o que gravei. Eu as concebi como um álbum e fiz uma após a outra. PBX, Outsides e Enclosure são todas as músicas que gravei dentro de um ano e meio. Eu também estava fazendo Black Knights enquanto estava fazendo Enclosure. Desde que comecei a fazer música para ser lançada, tudo que eu fiz está nos álbuns. Estes últimos três meses têm sido a primeira vez nos últimos anos que eu faço novamente música especificamente para não para ser lançada, que é o que eu estou fazendo agora. Mas sim, eu definitivamente mantive uma espécie de consistência que eu não tive quando estava em uma banda em termos de não haver excesso. É como quando eu era apenas um músico convencional, eu costumava escrever muitas músicas que nunca sequer tiveram a chance de ser gravadas. Agora eu não escrevo tantas músicas assim, mas quando escrevo, elas são gravadas e, quando gravo algo, é lançado. Isso é muito diferente de como é – digamos – em uma banda de rock, onde você tem muitas músicas que sobram, onde escrevem muito mais do que precisam, não sabem quais são boas e quais são ruins, eles meio que atropelam tudo, criticando e discutindo sobre quais são as melhores. Eu não faço nada disso. Tudo o que faço é expressar algo e dar isso ao mundo.

Acho que há muita beleza e emoção nessas melodias. Como em “Cinch”, uma vez que o ouvinte põe um pé na música, aquilo simplesmente vira uma espécie de muro de som extremamente poderoso e emocional. Agora como você acha essas melodias? Elas aparecem antes de você pegar um instrumento? Elas aparecem enquanto você está gravando?

Eu acho que depende. Uma coisa que faço muitas vezes são progressões de acordes que eu sei que são difíceis de tocar guitarra por cima. Existem certos tipos de progressões de acordes que todo guitarrista conhece e isso é geralmente o que guitarristas escrevem para solar por cima porque você não tem que usar muito a sua mente, pois tudo vem muito naturalmente. Se uma pessoa quiser tocar num estilo budista ou num estilo bonito ou o que seja, existem certos tipos de progressões de acordes que você escreve e pode tocar sem se preocupar com nada. Então, eu não escrevo muito esse tipo de progressões de acordes mais. Escrevo os que seriam um desafio para um guitarrista solar, e por isso me leva um tempo para aprender, para me acostumar com eles, e para me sentir confortável o suficiente para tocar sobre eles antes que eu possa realmente tocar livremente, antes que eu possa improvisar coisas. Então comecei com esses acordes e gravei uma parte de guitarra muito simples, em seguida uma parte de guitarra um pouco mais complicada e construí as partes de guitarra assim – as fiz em ordem de complexidade até que o último que eu gravasse fosse o único que estivesse solando. Mas eu nunca teria sido capaz de fazer o solo de guitarra se eu não tivesse feito todas as partes de guitarra mais simples que você ouve em todo o solo de guitarra. Então, acho que se minha atenção está na música, se minha atenção é sobre o funcionamento interno da música, os aspectos teóricos dela, acho que se eu continuar pressionando isso, ideias melódicas gradualmente se apresentarão. Uma coisa incrível que eu tenho notado, depois de ter tocado muitos solos de guitarra longos nos últimos anos, é que eu farei, digamos, três solos de guitarra sobre a mesma música de 10 minutos e eu passo por eles, porque isso muitas vezes é uma técnica que eu gostaria de fazer para editar entre os solos por razões de composição, não para corrigir erros. É mais sobre ser capaz de fazer a guitarra fazer coisas que ela não seria capaz de fazer por sua mão esquerda na guitarra ter que estar em um lugar ou outro em determinado momento e eu poder fazer partes de guitarra onde tem basicamente o efeito de sua mão ter o tamanho inteiro do braço da guitarra, sabe? E eu irei notar nestes solos de 10 minutos que eles costumam fazer a mesma coisa, ao mesmo tempo, apesar de eu não ter memorizado nada. É apenas a música apresentando as ideias por minha atenção estar sobre a própria natureza da música. Eu acho que quando você volta sua atenção para a natureza intrínseca da música, essa música apresenta ideias que são muito mais organizadas do que qualquer coisa que você poderia pensar. Porque, para mim, estar tocando a mesma coisa, ao mesmo tempo como em um solo de 8 minutos que nunca se repete, isso é algo que...uma pessoa não pode memorizar tanto material assim....no entanto, elas estão em plena correspondência com a outra, o tipo mais estranho de interações rítmicas ou melódicas. Uma das sensações que tenho é de que pessoas obcecadas com a impressão que eles vão criar com a música tem negada a capacidade de formar uma comunhão entre a inteligência e a natureza da música, porque a natureza da música em si tem muito mais a oferecer para músicos do que o que o público tem para oferecer – como dinheiro, louvor e todas essas coisas, sabe? Há muitas maravilhas para serem encontradas se tudo que você fizer for apenas concentrar sua atenção na natureza da música em si.

O que inspirou a mudança para a música eletrônica? Para mim, parece que é uma extensão lógica da sua interminável exploração musical.

Parece que ainda não percebemos que sem a eletrônica não haveria gravação, entende? Todo o fato de que há gravações é um meio eletrônico. Como o fato de que ouvimos música através de todos esses circuitos que ocorrem em estúdios, eletrônicos são a única razão pela qual temos o rock com amplificação, microfones e alto-falantes. É como se tudo sobre a maneira que desenvolvemos fosse devido à eletrônica. Assim, a idéia de que músicos de rock pensam que estes determinados instrumentos eletrônicos como baterias eletrônicas ou sintetizadores não fazem parte do vocabulário do rock ou algo assim, isso não é certo. Eu estou usando as máquinas e os componentes eletrônicos que podem ser mais úteis para um músico que quer fazer tudo sozinho, não quer ter que contar com engenheiros e não quer ter que contar com músicos ou banda. Eu estava ouvindo música de pessoas como Autechre e Venetian Snares, e foi incrível para mim ver que essas pessoas eram ainda mais auto-suficientes do que compositores clássicos eram. Compositores clássicos ainda tinham que depender de uma orquestra, que tinham que depender de um condutor, eles tiveram que passar por um monte de problemas para obter a sua música executada, e tiveram que lidar com uma grande quantidade de imprecisão. Eu estava ouvindo essas pessoas e foi impressionante para mim que a música deles era um produto puro de suas mentes e que não havia sequer um instrumento físico que estivesse entre eles e a realização da música. Isso é algo que realmente apenas foi possível fazer nos últimos 30 anos, em qualquer tipo de grande escala. Para mim, essas pessoas estavam se aproveitando disso. No rock, se alguém quisesse ter um som mais eletrônico, tinha que ter um produtor que fosse bom com eletrônica ou algo assim, ou contratava um grupo de pessoas para fazer todo o trabalho duro para ele. Eu realmente admirei essas pessoas sem engenheiros e sem dizer a ninguém o que fazer – eles eram auto-suficientes para serem capazes de criar sua própria música em grande escala. Então, foi inspirador para mim. O único exemplo real que eu tive de alguém que era assim foi um instrumentista tradicional convencional e também um programador do mais alto calibre: Squarepusher (também conhecido como o músico britânico Tom Jenkinson). Quando você não vê músicos de rock fazendo isso e vê um certo grupo de músicos eletrônicos fazendo isso, você quer saber se é mesmo possível para um músico de rock pensar dessa maldita forma, sabe? São apenas gênios do computador e tal? Mas o fato dele (Jenkinson) ser um baixista virtuoso e o fato de que ele era um grande programador virtuoso me inspirou a saber que isso era possível. Então, aos poucos, as duas partes do meu cérebro meio que ensinaram uma a outra. O compositor em mim e o guitarrista em mim tiveram um enorme impacto sobre a maneira que uso samples e na maneira que eu programo máquinas. E a maneira que eu uso samples também teve um tremendo impacto sobre mim como guitarrista. Me fez ser um músico que não pensa em música como uma ideia que estou transmitindo em um instrumento, mas a pensar em música como criação de som. Como guitarrista agora, eu realmente olho para o instrumento em seu sentido eletrônico, em termos de como eu estou tentando tirar um monte de som daquilo. Se eu tivesse que tocar três ou quatro cordas ou intencionalmente cometer um monte de erros a fim de obter mais som daquilo, eu faço todos os tipos de coisas assim, porque hoje penso na guitarra como uma coisa para tirar som, não mais como uma coisa para mostrar a minha proeza física.

Notei neste álbum que o ritmo tem um papel muito grande. Você usa esses ritmos dinâmicos para transmitir emoção?

Sim. Nesses álbuns, eu realmente quis contrariar o que seria a bateria previsível que você teria em uma canção particular. Gosto muito de escrever canções lentas com uma programação de batidas rápidas. Eu gosto da justaposição das duas coisas, também gosto de fazer batidas fora do tempo de várias maneiras ou batidas que dão uma sensação completamente diferente. Gosto de justapor várias concepções diferentes de ritmo de uma vez só. Aprendi gradualmente a fazer bateria rápida que parece ser lenta, por eu estar aderindo um vocal lento, então na primeira vez que tentei colocar bateria rápida com esse vocal, eles soavam muito irregulares, nervosos ou algo assim, e me levou algum tempo para ser capaz de manter o que era bom no groove lento do vocal e guitarras, mas também para estar em uma zona de ritmo completamente diferente.

Sim, como eu disse, é tudo sobre camadas e uma vez que os ouvintes chegam perto dessas camadas, há essas belas melodias nelas, esses poderosos e diferentes tipos de música que meio que combinam e acabam se tornando poderosos.

É uma grande vantagem quando você é capaz de trabalhar da maneira particular que eu trabalho para poder enxergar a mesma ideia a partir de vários ângulos. Quando você está gravando uma música de rock da forma convencional, a tendência é tentar se aderir ao que você está fazendo. Você está tentando adentrar no que os outros instrumentos estão fazendo. Você está tentando expressar a mesma ideia que eles estão tentando expressar. Você quer estar em sintonia com eles. Com este método particular e eu sendo o único músico, sou capaz de chegar a uma ideia de vários ângulos e de olhar para a música de maneiras diferentes e transformar completamente uma performance anterior em uma performance posterior. Eu tentei encontrar uma ligação entre a composição tradicional e as várias formas de música que vêm de pessoas da programação, porque na música programada, batidas substituíram melodias como o elemento mais alto da hierarquia musical. Melodia sempre foi o elemento superior, mas com o hip hop, acid house, jungle e todos os tipos de house music, a batida tem sido o instrumento central. Eu tinha meio que perdido o meu interesse pela composição tradicional e pelo rock, e aprendi a fazer música longe de um dos meus principais dons, que é a melodia. Eu me esforço para fazer música que respeita a bateria como sendo a prioridade ou o elemento superior na hierarquia musical de elementos. Então, assim que descobri que não me importava com composições mais, ainda continuei fazendo isso apenas porque era uma maneira. É parte de quem eu sou. Eu não consigo me livrar disso, sabe? Então, eu me esforço para seguir em frente nisso, que vejo como uma progressão que está acontecendo, com a batida sendo o instrumento principal e encontrando um ponto de conexão entre isso e composição tradicional. No início, parecia uma luta ou parecia ser algo que eu não conseguia ver como essas duas peças poderiam se encaixar. Aos poucos, tornou-se uma coisa muito natural e descobri que eu era capaz de tirar coisas das minhas músicas que eu não sabia que estavam lá. Eu consigo saber, como compositor, que não tenho ideia de onde vai a música, porque o que é divertido sobre a programação e fazer música desta forma é que qualquer coisa pode ir em qualquer direção a qualquer momento e não é porque você teve uma ideia, mas porque de certa forma ela se apresentou no meio de seu processo criativo e você seguiu nessa direção. É muito bom na música eletrônica o fato de você poder fazer música sem ter uma canção escrita e eu definitivamente fiz muito isso, mas descobri que a criação de uma fusão entre as duas formas era muito interessante.

Você se lembra do momento exato em que percebeu que estava se tornando um músico? Ou foi uma série de eventos?

Não, isso só entrou na minha cabeça quando eu tinha quatro anos de idade. Foi apenas incorporado – nunca foi uma decisão. Era mais como uma coisa que eu só sabia que deveria fazer. E os sentimentos que tive ouvindo música naquela época foram sentimentos num nível mais elevado do que qualquer coisa que senti em qualquer outra parte da minha vida. Senti uma sensação de clausura [“enclosure”] na música quando a ouvi. Eu não sabia muito sobre música na época, mas com o passar do tempo, algumas músicas conquistariam meus ouvidos. Isso rolou anos antes de eu realmente começar a tocar um instrumento. Eu poderia dizer que a música estava relacionada com o que eu deveria fazer e que esses...esses foram os momentos mais significativos da minha infância.




Fonte: Amped - 19 de março de 2014

Frusciante Collection 18: Outsides EP e Enclosure (CDs Japoneses)

John Frusciante possui uma ligação muito forte com o público japonês. Não é à toa que as versões japonesas de alguns dos seus álbuns trazem faixas bônus, algo que as versões americanas e europeias não possuem (já trouxemos o review da versão japonesa de The Empyrean aqui). No Frusciante Collection de hoje, trazemos os CDs japoneses de Outsides EP e Enclosure.

Assim como a versão japonesa de The Empyrean, tanto Outsides EP e Enclosure, não foram comercializadas no formato convencional de CD, mas sim em Blu-spec CD2 ou BSCD2. O Blu-spec CD foi criado pela Sony do Japão em 2008 e consiste no uso de lasers azuis na sua fabricação, tendo um processo de produção similar aos discos de Blu-ray. Em 28 de setembro de 2012, o Blu-spec CD2 foi anunciado pela mesma empresa, possuindo qualidade superior e um corte mais preciso. Além disso, vale salientar que tais mídias são reproduzidas normalmente em qualquer leitor de CD.

Partindo para o que interessa, começamos com Outsides EP. O disco nessa versão possui as mesmas características da sua versão convencional, exceto pelo fato de estar incluso o OBI, um encarte extra em japonês contendo uma entrevista feita com Frusciante, tradução das faixas para a língua japonesa, bem como a faixa bônus “Sol” (cujo download digital estava disponível quando da pré-venda do álbum). As fotos seguem abaixo:

Com relação ao álbum Enclosure, este possui as mesmas características (OBI, encarte e tradução) da versão japonesa de Outsides EP, exceto pelas faixas bônus: “Vesiou” e “Scratch”. Seguem as fotos:

Por serem comercializados em um mercado muito restrito, as versões japonesas dos álbuns de John Frusciante tendem a possuir um valor elevado. Além disso, o frete para envio do CD diretamente do Japão para o Brasil costuma ser elevado, chegando a custar quase o valor do próprio disco. De todo modo, apesar do preço, ouvir um disco numa qualidade superior, atrelado ao fato de estarem inclusas faixas extras, faz com que os CDs Japoneses sejam cobiçados por colecionadores.

Se você perdeu o Frusciante Collection em que trouxemos outras versões de Outsides EP e de Enclosure, deixo o link aqui e aqui para vocês conferirem. Até o próximo Frusciante Collection!

Curtiu essa publicação? Deixe o seu comentário!

Frusciante Collection 4: Outsides EP

O disco da vez é o Outsides, álbum esse com lançamento previsto pelo selo Record Collection para os dias 14 de agosto de 2013 no Japão e dia 27 de agosto de 2013 em todo mundo, todavia, quem comprou o álbum no pré-lançamento, teve seus CD’s enviados no mês anterior. Em razão disso, o lançamento acabou sendo antecipado para o dia 6 de agosto daquele mesmo ano.

Assim como no álbum trazido há algumas semanas atrás (Enclosure), o Outsides EP também foi lançado em um kit promocional contendo o LP, CD, fita cassete e camiseta, estando disponível a sua venda até hoje no site oficial do artista. Os interessados podem estar comprando aqui.

Com relação a sua ficha técnica, o álbum possui uma pegada mais eletrônica e contou com John Frusciante tocando todos os instrumentos (guitarra, vozes, teclados, sintetizadores, bateria eletrônica, sequenciador e sampler). Além disso, o guitarrista também ficou responsável pela produção e as artes do disco.

Como de praxe, começamos trazendo as imagens do vinil. De plano, vê-se que a faixa Same está presente no Lado A, enquanto Brethiac e Shelf estão no Lado B. Vale lembrar que apesar de se tratar de um EP, o LP foi produzido em vinil de 180 gramas no formato de 12”, haja vista a duração de cada lado do disco (10 minutos e 22 segundos no lado A e 8 minutos e 50 segundos no lado B), não sendo viável a sua comercialização em discos de 7”. Por fim, deve-se mencionar que ainda é disponibilizado junto com o vinil um download card (cartão de download), sendo possível baixar na íntegra a versão digital do álbum.

O CD, assim como o LP, possui o mesmo esquema de cores do vinil. Na versão japonesa, há ainda a bonus track (faixa bônus) Sol, cuja duração é de 4 minutos e 38 segundos. Por outro lado, aqueles que compraram o disco na pré-venda, tiveram a benesse de receber uma versão digital da canção:

Assim como o vinil, a fita cassete tem as músicas igualmente divididas nos dois lados. Diferentemente do usual, a arte do álbum foi colocada na horizontal, sendo a cassete, em si, predominantemente na cor branca, com as palavras escritas na cor vermelha:

Fora essas mídias, trazemos também a camiseta. A blusa é toda branca, todavia, na parte da frente há um trecho da música Shelf, escrito com a própria letra de John Frusciante. Nas costas, a camiseta é toda lisa, não possuindo nenhuma arte:

Enfim, pessoal, fiquem atentos que em breve teremos outro Frusciante Collection aqui no site. Deixo vocês com uma imagem do kit completo:

Curtiu a publicação? Deixe o seu comentário.

A liberdade da música eletrônica - Agosto de 2013

Entrevista presente no encarte da versão japonesa de Outsides EP. John Frusciante descreve nela como surgiu seu novo estilo musical, descrito por ele em outras oportunidades como sendo Progressive Synth Pop. Além de falar bastante sobre suas atuais influências, ele revela como veem sendo seu novo processo de criação, sua atual relação de aprendizado com seus novos equipamentos.

John Frusciante, como você provavelmente sabe, é o homem que, como o guitarrista do grupo, ajudou a monstruosa banda de rock Red Hot Chili Peppers a conquistar a cena musical dos anos 90 com seu intenso estilo funk-rock, que até hoje tem apoio inabalável dos fãs. Frusciante entrou na banda para preencher uma vaga, mas demonstrou grande competência tanto como grande guitarrista quanto como grande compositor, ajudando a banda a construir músicas com seu lirismo emocional. Há provavelmente tantos fãs desta época quanto o número de devotos de suas atividades musicais desde saída da banda para ser um artista solo – enquanto colabora também com outros músicos – acumulando uma série de lançamentos de álbuns.

Devido a sua habilidade superior e estilo único como guitarrista, provavelmente há muitas pessoas com a opinião de que ele deveria se ater apenas a tocar guitarra. Dois trabalhos do ano passado [NUF: 2012] mostram que ele está longe de seguir essas expectativas, mas essas obras únicas, Letur-Lefr e PBX Funicular Intaglio Zone, tem recebido grande respeito, no entanto. O que foi único foi como o uso experimental de música eletrônica de alguns anos atrás tinha se tornado a principal característica da música e o quanto “synth-pop” e drum-n-bass coloriam esses álbuns. O que estava acontecendo com ele para trocar sua guitarra por samplers e sintetizadores?

É possível que possamos encontrar respostas sobre tudo isso nesta entrevista que Hashim Barucha fez a respeito do novo trabalho de Frusciante, Outsides, que está à venda a partir desta semana. Abaixo fornecemos um trecho. Esta entrevista exclusiva (embora seja em sua maioria um monólogo de Frusciante) em si tem cerca de 30.000 caracteres e, sem dúvida, será um dos principais pontos de venda desta edição. À medida em que você vá em frente e ouça o novo lançamento, que foi feito com contribuições de RZA e outros membros da família Wu-Tang Clan, você vai definitivamente querer ler essa entrevista em sua totalidade.

Depois do lançamento de The Empyrean, e desde Letur-Lefr, você vem usando muito da música eletrônica ao seu trabalho. Por quê?

"Eu passei quase toda a minha vida ouvindo discos e tocando junto com eles, aprendi assim. Nos últimos 30 anos, mais do que tudo, tenho passado meu tempo fazendo isso. Dessa forma, pude aprender muito sobre gêneros musicais diferentes.

Na época da minha última volta aos Red Hot Chili Peppers, toquei muita guitarra enquanto ouvia synth pop, música de rave dos anos 90, hip-hop e música eletrônica feita em computadores. Enquanto tocava guitarra junto com música desse tipo, percebi que o jeito como eram usados samples e instrumentos eletrônicos era completamente diferente do meu jeito de tocar guitarra. O guitarrista e o compositor de música eletrônica tem uma forma completamente diferente de pensar, e não combinam as notas da mesma maneira. Para mim, fazer um solo na guitarra e compor uma grande canção de rock são coisas que faço sem pensar. Infelizmente, o desafio já havia sumido.

A música eletrônica dos últimos 30 anos, com ritmos e fraseados novos, gerou uma nova forma de desconstruir cada compasso...e isso para mim era um mundo desconhecido. Apesar de eu ser um guitarrista experiente, eu não conseguia entender a forma de pensar do Autechre, do Venetian Snares, ou do Aphex Twin. Mesmo que eu pudesse reproduzir as músicas na guitarra, eu não conseguia criar esse tipo de som sozinho. O jeito deles de combinar as notas era incompreensível para mim. Quando a série Analord do Aphex Twin foi lançada, achei aquilo tão incrível quanto o lançamento do Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band dos Beatles - um divisor de águas. Senti que esse mundo desconhecido poderia ser explorado. Para mim, isso era um novo tipo de funk.

Box da série de EPs Analord de 2005, de Aphex Twin

O funk se desenvolveu nos anos 60 e 70 e não evoluiu muito nos anos 80 e 90, mas percebi que em Analord, o Aphex Twin havia elevado o nível do funk, através do uso de eletrônicos. Ao mesmo tempo em que incorpora as tradições do funk, ele o eleva de uma maneira não-tradicional. Então até eu comprar um 202 e 303 [NUF: MC-202 Microcomposer synth-sequencer e TB-303 bass synth-sequencer da Roland, equipamento básico para acid house] eu nem sabia que esse tipo de equipamento existia.  Eu já havia tido muitas experiências com sintetizadores, mas quando perguntei qual instrumento eu deveria comprar para fazer música eletrônica usando um sintetizador profissional, me recomendaram usar algo de fácil manuseio, como o Nord Lead. Então comprei um, e até dei uma chance para ele, mas aquilo não me inspirou. Como já tinha ouvido falar em sintetizadores analógicos como o 202, tentei programar alguns deles, e me empolguei bastante, pois pensei que, para pôr em prática a minha ideia do que é melodia através do 202, eu deveria repensar completamente minha relação com as melodias.

Eu ainda não estava muito familiarizado com o 202, mas percebi que era possível criar uma melodia que nunca havia sido inventada antes. Como músico, já havia notado que sempre tentamos repetir os mesmos padrões. Quando saí em turnê com os Red Hot Chili Peppers, levei comigo uma drum machine e um sintetizador, para combater o tédio dos hotéis, mas continuava fazendo músicas da velha maneira, baseado em verso e refrão. Eu queria me desprender desse padrão e criar melodias com mais texturas e camadas.

Quando comparamos a música eletrônica com a música pop, o pop tem mais a ver com Mozart, enquanto a música eletrônica é mais Beethoven. Conforme um elemento específico se torna o foco, ao invés desse mesmo elemento ser a base ou o elemento central, vários outros elementos musicais surgem e se misturam ao mesmo tempo (em múltiplos níveis e com pesos iguais). Em outras palavras, existem múltiplos focos. Na música eletrônica, a batida se torna o foco na maior parte das vezes. Mas no rock, os vocais são o principal. Então se você quer maior liberdade de expressão na música eletrônica, você deve pensar na melodia de um jeito completamente diferente.

Eu comecei a tocar (ou estudar) jazz ainda criança. Na época, eu não entendia nada de jazz, e era exatamente por esse motivo que queria aprender. Era uma forma totalmente diferente da minha de “pensar a música”, por isso eu queria aprender (para ver se eu poderia pensar diferente, em termos de música). Foi a partir daí que eu comecei a estudar John Coltrane e Miles Davis. E então aprendi um jeito novo de pensar. Na vida, me considero um processo contínuo. No momento eu entrei para o mundo da música eletrônica, percebi que é melhor aprender uma nova técnica. Você está cercado de vários aparelhos eletrônicos e cada um requer um tipo de programação diferente. Você aperta o play em um equipamento e ele está totalmente sincronizado com todos os outros aparelhos eletrônicos.

Isso era novo e refrescante para mim. Era uma sensação totalmente libertadora, e me livrou da ideia errônea de que eu era apenas uma parte de algo maior. Eu percebi que eu poderia criar tudo sozinho. Ao invés de ser apenas um dos instrumentistas, eu poderia ser o compositor.

Tocar guitarra em uma banda é muitas vezes algo que te deixa restrito. Quando se compõe músicas como o guitarrista de uma banda, você está apenas fornecendo a “planta” do projeto todo. Quando se faz música eletrônica, é possível engajar-se em um processo criativo que não está ligado a nenhum método de composição tradicional. Então é possível reconstruir canções a partir de um conceito abstrato. Além disso, tendo o controle total, eu posso manipular o som diretamente. Ao invés de apenas tocar e mexer na frequência do instrumento, é possível criar uma tonalidade harmônica mudando o próprio som.

Em uma banda, você precisa tocar seu instrumento de acordo com a harmonia que está sendo produzida pelos outros músicos. Quando você toca em uma banda, não há escolha a não ser acompanhar o baterista, mas na música eletrônica é possível controlar o ritmo bem de perto. Em uma banda, você precisa tocar observando o baterista, e quando ele acelera o tempo, você também tem que acelerar a velocidade em que está tocando. Dessa forma, quando ele diminui sua velocidade, você tem de ir mais devagar também. É engraçado. O baterista tem muito poder dentro da banda, e ele nem mesmo compõe as músicas - e mesmo assim tem esse papel tão central, o que eu acho muito peculiar.

Quando se faz música eletrônica sozinho, você é o baterista e - compondo todas as partes - pode produzir o som por completo. Você elimina a preocupação do engenheiro de som, que nunca tem certeza se conseguiu captar a ideia do músico para o som. Para mim, fazer música eletrônica significa que eu posso ser totalmente livre em termos de música. Eu até diria que o rock é música eletrônica, em sua essência.

Muitas categorias de gêneros musicais não têm nenhum significado teórico. O gênero “rock alternativo”, por exemplo, é engraçado. Na verdade, é simplesmente “rock”. Eu nem entendo porque esse nome fez sucesso (risos). É apenas a evolução lógica do rock. O rock “alternativo” era apenas uma alternativa ao rock que vinha sendo feito até aquele momento – sendo expresso de forma diferente. Que tipo de música é o rock “alternativo”? É apenas uma alternativa ao rock do passado.

Existe muita gente que considera música eletrônica e rock como coisas completamente diferentes, mas se não fosse pelas pessoas que fazem os circuitos, o rock nem existiria. Sem o amplificador, os captadores, os equipamentos de gravação, os sound systems, o rock não existiria. Como resultado de muitos anos estudando e fazendo música eletrônica, passei a escutar o rock de uma forma completamente diferente. Se você escuta o rock que é feito hoje em dia, você vai conseguir ouvir o método usado pelo engenheiro de som e as características da sala onde a gravação foi feita. Eu consigo perceber bem o som original dos instrumentos quando ele sai do amplificador. Nesse sentido, o rock e a música eletrônica são a mesma coisa. O meu lado rock foi se misturando ao meu lado eletrônico gradualmente.

Por exemplo, existem músicas “rock” no disco PBX, mas elas foram produzidas através de música eletrônica abstrata e de uma abordagem jungle. Eu nunca imaginei que seria capaz de fazer músicas usando esse tipo de método. Quando eu estava aprendendo a fazer música eletrônica, eu nem pensava nesse tipo de coisa. Agora não faz sentido trabalhar dentro de apenas um determinado gênero. Minha abordagem é uma combinação de múltiplos estilos, e eu incorporo facilmente quaisquer tipos de elementos musicais que estão dentro de mim. Incorporo elementos musicais meus de vinte anos atrás, assim como os de dez anos atrás. Não existem lacunas entre eu e a música.

Em termos de orquestras e bandas de rock, sempre há algum tipo de barreira entre os músicos e a música. Por exemplo, apesar de o compositor ter criado a obra, você tem o condutor e a orquestra, e então podem surgir problemas na tentativa de atingir as demandas do compositor.

Na música eletrônica, o compositor está completamente livre. Para ele poder executar os sons que ouve dentro de sua cabeça, ele não depende mais dos outros. Além disso, agora é possível para ele ouvir a música enquanto a cria, em tempo real. Não existe mais uma necessidade de mostrar sua composição para a banda e esperar para ouvir o tipo de som que a banda irá tocar. O fato de que o “criar” e o “escutar” acontecem ao mesmo tempo, traz a maior liberdade para mim. Fazer música eletrônica me oferece maior liberdade musicalmente. Isso porque é a abordagem mais completa para fazer música."

Tradução: Lule Bruno e Marina Jaskulski